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Takeshi Kitano



Director, actor, pintor, poeta, cómico... ecléctico. Todo un ídolo de masas tanto en Japón como fuera de su país. Cineasta admirado, gurú de la televisión nipona, icono cultural de finales del siglo XX.

Rasgos

Kitano es un virtuoso del humor, llegando a deformarlo hasta convertirlo en grotesco, ácido o entrañable. En ocasiones sus películas desprenden una gran carga de violencia tanto implícita como explícita. Sus personajes suelen estar fuertemente marcados por la soledad y el desamparo. Joe Hisaishi suele acompañarle para la banda sonora.

Influencias

La vida. Varios son los temas que recurrentemente aparecen en su filmografía, muchos sacados de sus propias vivencias: Los yakuzas (gobernaban los suburbios de Tokio donde se crió), el mar, el claqué, el humor (sus comienzos fueron de humorista)... una de sus principales influencias cinematográficas la encontramos en Buster Keaton.

Tres películas

Hana-Bi (1997)



Una avalancha de desgracias donde Kitano da una lección de como crear un personaje que domine la pantalla y la situación, una forma de mirar al vacío. Kitano se muestra inmenso, una estatua gigantesca y gris que abruma. Un ejercicio de dramatismo y melancolía.

El verano de Kikujiro (2000)



Que Kitanos siempre ha tenido presente el humor es un hecho. Tras triunfar como cómico televisivo demostró que puede hacer papeles serios y puso a todos a sus pies en Feliz Navidad Mr.Lawrence (1983) y tras ella llegaron los yakuzas: violent Cop, sonatine, Hana-Bi... Kitano siempre será humorista, a su manera claro. Los mismos yakuzas que tan seriamente ha encarnado en otras ocasiones se vuelven histriónicos en una road movie infantil, tierna y entrañable. Divertidísima película en la que Kitano se ríe de sí mismo y nos muestra que el fondo de las personas puede sorprenderte bastante a menudo.

Dolls (2003)



En esta ocasión Kitano se queda tras la cámara para ofrecernos tres historias de amor eterno, descarnado y pesimista. Considerada por muchos su obra maestra, Dolls es una película de amor amarga, angustiosa, desalentadora. De una belleza plástica sin igual, descubre un universo de color a nuestras retinas y la historia nos escupe, nos maldice. Una lección de humildad, ya que el abismo es enorme y nuestra caída insignificante.

David Fincher



Empezó como animador en Industrial Light and Magic entre 1980 y 1984. En 1986, fundó la productora Propaganda Films, y desde entonces hasta que dirigió su primer largometraje, Alien 3, en 1992, destacó en el campo de los videoclips, llegando a trabajar para artistas como Madonna o los Rolling Stones. Pese a su corta carrera cinematográfica (sólo ha dirigido 6 filmes en 15 años), se ha forjado la condición de "director de culto", debido a la originalidad de sus filmes y a su capacidad para reinventarse en cada película que dirige.

Rasgos: No es fácil describir el estilo visual y narrativo de Fincher, pues una de sus mejores rasgos es precisamente ese: la capacidad de adaptarse a cada historia que dirige. Así, Fincher es capaz de pasar de un estilo vanguardista e innovador próximo al videoclip a un estilo de lo más sobrio y clásico, tanto estética como narrativamente, todo dependiendo de la historia que cuente. Y es, precisamente, en el tipo de historias que cuenta, donde se encuentran las constantes de Fincher. La primera de ellas es que en sus películas acostumbra a hablar del lado más oscuro del ser humano, siendo un auténtico maestro en el tratamiento de los miedos, obsesiones, pesadillas, paranoias y deseos del hombre. Sus personajes acostumbran a ser seres atormentados e infelices, a través de los cuales el director norteamericano cuenta historias de una gran profundidad psicológica, que en la mayoría de los casos también son durísimas críticas a la sociedad actual. La otra característica propia de Fincher es su detallismo enfermizo, a todos los niveles: desde todos y cada uno de los planos de sus películas hasta los aspectos psicológicos de los personajes, pasando por los créditos. Así pues, de Fincher también se puede decir que es un cineasta extremadamente perfeccionista.

Influencias: Debido a su ecléctico y cambiante estilo cinematográfico, las influencias de Fincher son distintas dependiendo de la película, pues en algunas innova totalmente mientras que en otras bebe del estilo de otros cineastas. A pesar de eso, se puede considerar que el cine de Fincher recibe influencias del cine negro y del suspense, con Hitchcock a la cabeza, mezclando esas influencias con su propio estilo videoclipero (Seven, The game, El club de la lucha y La habitación del pánico). Otras influencias que pueden detectarse en el cine de Fincher son las de Alan J. Pakula o Sideny Lumet, predominando éstas últimas en su último filme, Zodiac.

Tres películas:

Seven (1995)



Con este thriller policíaco, mezcla de thriller de asesino en serie, psicothriller y cine negro, que posee uno de los mejores finales de la historia del cine, Fincher empezó su ascendente carrera como "director de culto". Seven es la primera obra maestra del director norteamericano, una oscurísima película que muestra, a través de la historia de un asesino en serie que mata a sus víctimas según los 7 pecados capitales, que nadie es inocente, que todos somos pecadores. Esta película abre la denominada "trilogía sobre la sociedad" de Fincher, en la que el cineasta nos muestra a una sociedad decadente, sin valores, absoluta y totalmente immoral, trágico reflejo la humanidad de finales del siglo XX. También aquí empezó Fincher su análisis del lado oscuro del ser humano, centrándose en esta ocasión en la corrupción y la maldad en las que éste ha caído. La dirección de Fincher es soberbia, pues, gracias a la originalidad de la trama, a lo inquietante que es todo el filme, a un tempo prodigioso y a un ambiente claustrofóbico, te mete en la película desde su mismo inicio y no te suelta hasta el aterrador final, que en sí mismo es la gran metáfora del filme. Es curioso observar como, en algunas escenas, Fincher utilizó una estética videoclipera que luego predominaría en El club de la lucha.

El club de la lucha (1999)



Magistral cierre de la "trilogía sobre la sociedad" (la segunda parte es The game, de 1997), El club de la lucha está considerada por muchos, entre los que me incluyo, la mejor película de Fincher hasta la fecha. Si en Seven el director investigaba la corrupción y la maldad del hombre de finales del siglo XX a causa de una sociedad falta de valores morales, en El club de la lucha Fincher explora la paranoia, la locura y la frustración del hombre del aún no-nato siglo XXI, en un filme que es el ataque más feroz, despiadado, inteligente y excelente al capitalismo, al consumismo y al materialismo de la historia del cine. Para ello, Fincher nos cuenta la historia de un agente de seguros que, un buen día, se encuentra con Tyler Durden, un hombre con una filosofía de vida autodestructiva. La película es una originalísima disección de la psicología del hombre moderno, una psicología a la que una sociedad que no sabe ver nada más allá de lo material y de lo inmediato ha convertido en locura y, en términos más filosóficos, nihilismo vital. La dirección de Fincher resulta la más arriesgada, y también la mejor, de su carrera, pues mezcla los elementos clásicos del suspense (como el flashback o la voz en off) con un estilo visual muy próximo al videoclip, con unos movimientos de cámara rápidos y nerviosos, reflejo de la paranoia en la que viven los personajes. Como diría Nietzsche: "Esto no es cine, es dinamita".

Zodiac (2007)



Dejada atrás la grandiosa "trilogía sobre la sociedad", con dos obras de arte (las dos comentadas arriba) a sus espaldas y con un filme menor (La habitación del pánico, de 2002) enmedio de El club de la lucha y el filme que nos ocupa, Fincher volvió a reinventarse y optó por la sobriedad y el clasicismo más estricto para contar otra historia de un asesino en serie, esta vez inspirada en un caso real, el del Asesino del Zodíaco, que conmocionó a San Francisco y a todo EEUU durante las décadas de los 60 y los 70 y que jamás fue identificado ni capturado. Zodiac es la tercera obra maestra (y también la tercera obra de arte) del realizador norteamericano, y en esta ocasión no se centra tanto en los crímenes del asesino como en las pesquisas e investigaciones de un inspector de la policía, un periodista del San Francisco Chronicle y un dibujante del mismo periódico. En Zodiac, Fincher dedica su exploración del lado oscuro del hombre a dos temas: la obsesión y el miedo. La obsesión de aquellos que intentaron, durante más de 20 años, atrapar al asesino y que acabaron destruyendo sus propias vidas sin lograr su objetivo; y el miedo de toda una sociedad que veía que una amenaza letal y sin rostro podía estar esperando a la vuelta de cada esquina, pero que a la vez utilizaba a esa amenaza como un fenómeno mediático. Los paralelismos con la actualidad están servidos. La dirección de Fincher es de un clasicismo excelente, que sobretodo destaca en algunas escenas en particular (todos los crímenes de Zodiac, la escena del plató de televisión o la del sótano) que ponen los pelos de punta.

Jacques Rivette



Rivette era considerado por todos sus compañeros como el poderoso ideólogo de la Nouvelle vague, no en vano Godard declaró: “Cuando escribí mi primera crítica y Jacques Rivette habló mal de ella, para mí esto fue mucho más grave que no haber recibido en Cannes un premio o haber fracasado con una película”. Con semejante background teórico, no es de extrañar que encontrase pronto una voz propia dentro del cine, un estilo. ¿En qué consiste el cine de Rivette? No es un cine de la imagen, desde el momento en el que no se busca el preciosismo en la composición o el encuadre, tan solo interesa el devenir del tiempo. Puede pensarse en Tarkovsky, pero estaríamos equivocándonos: el flujo temporal rivettiano carece de sentido trascendente o espiritual, pues se mantiene indisoluble al desarrollo de unos acontecimientos. El plano secuencia en el cine de Rivette acompaña a los personajes en su viaje por intrincados laberintos narrativos, en su búsqueda por encontrar sentido a las tramas a las que han sido abocados. Tanto en su labor crítica como en la práctica, la importancia de la puesta en escena es fundamental: la disposición espacial de los personajes y sus movimientos son los que dan ritmo interno y determinan el acontecer del film. Así, los personajes de Rivette son seres abiertos al mundo y parte de un complejo tejido de relaciones externas, como en las tragedias griegas, y a menudo hace acto de presencia un demiurgo (el metteur en escène alter ego del propio director) que les maneja y ejerce de motor narrativo, maquinando complots o montando representaciones que el tiempo confundirá con la realidad, disolviendo los límites ficción-realidad, o teatro y mundo. Estas ficciones cimentan el juego de muñecas rusas que estructura cualquier película de Jacques Rivette.


Rasgos: El plano secuencia como vehículo para atrapar el devenir del tiempo a través de la cadena, a menudo ramificada, de sucesos. Derivas narrativas. Larga duración (Out 1 dura 13 horas), pues lo importante no es la resolución de la intriga, sino la búsqueda que lleva a ella, y los cambios que produce. Complot, juego y teatro. Gusto por el secreto. Fluidez y dinamismo dentro del plano. El hallazgo fundamental de Rivette en la puesta en escena consiste en cambiar el eje de movimiento: los actores ya no se desplazan lateralmente, se mueven hacia dentro del cuadro (o trazando diagonales), con lo que se lleva al límite la profundidad de campo y se explora el espacio fílmico. Subversión e intelectualización de los códigos genéricos (comedia, tragedia, polar, vodevil). El interés por la conversación y la relación empática de los actores con el ambiente (a menudo jardines, casas de campo) acercan la perspectiva de Rivette a su compañero Rohmer, aunque en esto ambos herederos de Renoir.


Influencias: La precisión del movimiento de cámara y reencuadre de Fritz Lang, Otto Preminger o Alfred Hitchcock. El movimiento del actor como motor de la puesta en escena y del cambio de plano de Jean Renoir o Kenji Mizoguchi. El naturalismo de Jean Vigo.

Tres películas:



La bella mentirosa (1991) es el título del cuadro que Frenhofer, reputado pintor, abandonó porque sometía a su pareja a una presión demasiado grande, que podía ser peligrosa para ambos. Ahora, tras la visita de un joven admirador y su novia invitado a su castillo, decide retomarlo con ésta, primero reacia pero luego dispuesta para provocar los celos de su novio. Cada personaje pretende engañar al otro, y lo único auténtico parece ser la búsqueda del cuadro definitivo. Cuatro horas en las que el pintor manipula el cuerpo de la chica para extraer de él toda su verdad, cuatro horas de lucha frente al ideal estético. La mujer del pintor advierte que el resultado final será fatal, por lo que todos, por su cuenta, tratarán de descubrir qué hay detrás del cuadro prohibido.



Confidencial (1998) parte de los códigos genéricos del cine policiaco para reventarlos. La protagonista, eminente investigadora contra el cáncer, descubre gracias a su hermano que su padre aparentemente muerto al caer del tren, en realidad fue asesinado por un oscuro empresario. De su determinación por vengarse, tras sus primeras dudas, surge lo verdaderamente transgresor del film: el peso del viaje, del ir y venir de la protagonista, dentro del metraje. Parece que toda la acción se estructura alrededor de los desplazamientos espaciales de la protagonista, trayectos abiertos al devenir de los hechos, viajes iniciáticos, en los que el misterio adquiere tintes trágicos. Electra revolotea alrededor del personaje central, como cuando en el tren se encierra dentro del baño para cambiarse de gafas de sol mientras observa su reflejo en el espejo, como si de máscaras griegas se tratase, asumiendo su rol. No hay certezas, tan sólo voluntad de resolución (creadora de ficciones) resistente a la opacidad de la realidad.



Va savoir (2001) es una película mucho más ligera, y eso se nota en la libertad con la que transcurren los acontecimientos. La trama principal (el estreno en París de una obra de Pirandello por parte de un grupo de italianos, protagonizado por una parisina exiliada) deriva en numerosas subtramas, desde la búsqueda de un libro perdido hasta robos de joyas, pasando por encuentros con antiguos o nuevos amantes. Una vez más, el director de teatro activará los mecanismos de las diferentes ficciones, como reflejo de su papel de director y del mismo Rivette. Se juega con situaciones y convenciones de la comedia romántica como instrumento metanarrativo.

Béla Tarr




Rasgos: Plános secuencia larguísimos acompañando a los personajes en sus caminatas, silencios larguísimos, ambientes decrépitos y lluviosos plasmados en blanco y negro...

Influencia: Se puede distinguir dos etapas en la filmografía de Tarr, la primera claramente influenciada por el cinema verité y la segunda, que se iniciaría con La Condena, en la que su cine se podría asemejar formalmente al de Andrei Tarkovsky. Visualmente también tiene ciertas influencias de pintores como El Bosco o Pieter Brueghel.


Tres películas:



La Condena (1988): Su película más influenciada por Tarkovsky. un homenaje al cine negro plagado de silencios y de secuencias larguísimas, con elegantes y sutiles planos en los que la cámara se aleja y se acerca a los personajes. Algo confusa en su historia, pero un delicia visual, y una de las obras que mejor ha sabido plasmar la soledad.




Satantango (1994): La obra más ambiciosa de Tarr, y en mi opinión la mejor. Siete horas que nos muestran la vida de varias personas en torno a una granja en un pequeño pueblo húngaro. Plános secuencia de 10 minutos mostrandonos varias historias paralelas con saltos en el tiempo y algunas de las secuencias más demoledoras que ha dado el cine moderno, además de ser una crítica a las miserias ocasiondas por las dictaduras en los paises del Este.
Ya sea vista del tirón o fragmentada, una de las experiencias cinematográficas más grandes que uno puede vivir.




Armonías de Werckmeister (2001): A una aldea húngara llega una espectáculo ambulante con una gran ballena disecada y un misterioso personaje llamado El Principe. Para algunos su mejor obra. A mi me parece algo menos compácta que la monumental Satantango, pero igual de estimulante. La película contiene algunos de los mejores planos secuencia que he visto en mi vida, en especial aquellos en los que seguimos a los personajes en sus largas caminatas a traves del pueblo.
La banda sonora (más presente aquí que en las anteriores película de Tarr) de Mihály Víg, una de la más hermosas que he escuchado jamás, confiere a la película una carga avocadora y melancólica inigualable.
Lo mejor que se ha hecho este siglo.

Alejandro González Iñárritu

15 de agosto de 1963, Méjico. Comenzó su carrera como locutor de radio y compositor musical en su país natal. Estudió cinematografía en la universidad de Maine bajo la supervisión de los cineastas: Ludwik Margules y Judith Weston. En los 90 comenzó a trabajar en la producción televisiva.
En 1991 crea su propia compañía, Zeta Films, donde comienza a producir comerciales y cortometrajes, y donde más tarde, y gracias a su primera obra prima, accedería a la industria cinematográfica mundial.

Rasgos: Mucha cámara en mano, un sentido visual cercano al documental, cortes muy contundentes pero con sentido del ritmo narrativo (quizás gracias a su experiencia en el cortometraje y en la publicidad), destructurar la convencionalidad de la narración (quizás por su reiterativa participación con el guionista mejicano Guillermo Arriaga) y el empleo del plano fijo.

Influencias: El extenso de cineastas salidos del campo de la publicidad: Jonze, Gondry, Meirelles, Fincher. Cineastas mejicanos de la nueva ola como Del Toro o Cuarón. Cineastas que han dedicado lo extenso de su carrera a las películas de historias cruzadas como Paul Thomas Anderson y Robert Altman. Y como última influencia el Sr. Tarantino en el concepto de la destructuración narrativa.

Tres películas:


Amores perros (2000)

Fue una de las grandes sorpresas en el panorama cinematográfico de ese año. Fue nominada a todos los premios habidos y por haber y esta presente en todas las listas de las mejores películas de la historia. Un accidente de tráfico, 3 historias unidas por ese fatal suceso y la figura del canino uniendo en simbolismo toda la obra. Una visión bastante sofocante de la condición humana en el país de Méjico.


21 Gramos (2003)

Una digna sucesora del concepto explorado en su anterior propuesta pero en un marco más íntimo y a la vez poético (a la vez que más internacional), aunque no excepto de ese aire malsano característico de su anterior obra. También fue nominada, alabada y galardonada en varios certámenes cinematográficos.


Babel (2006)

Última colaboración con Arriaga, explorando nuevamente el concepto de las historias cruzadas por causa de una situación de fuerza mayor, pero ubicándola en el concepto de la globalización de los medios de comunicación. Es la película a mayor escala que ha realizado, tanto culturalmente como socialmente. Una obra más compleja, madura y profunda de lo que puede aparentar en un primer visionado. También fue nominada y galardonada en varios certámenes, fue la que generó mayor diversidad de opiniones, y la que finalmente reconoce tanto el talento del director como del autor de todas estas obras.

Lars Von Trier



Nace en Copenhague (Dinamarca) el 30 de abril de 1956. De padres comunistas y nudistas, von Trier fue criado en un ambiente de pensamiento de izquierda y de amantes de películas. A la edad de 11 tuvo su primera cámara, una Super 8 con la que filmaba a sus amigos en producciones caseras y entró en la escuela de cine de Copenhague en la década de 1980. En 1981 y 1982 ganó varios premios en el Festival de Cine de Munich por sus películas de estudiante. En 1983, después de haberse graduado tuvo su película debut: The Element of Crime (1984), con esta película logró llamar la atención en el Festival de Cine de Cannes donde recibió un premio por Logro Técnico.

Rasgos: Lars von Trier fue uno de los creadores del Dogme 95, un movimiento cinematográfico con el cual se llama al regreso de historias más creíbles en la industria fílmica apartándose de los efectos especiales y dirigiéndose principalmente hacia un uso técnico mínimo. Realizador de películas muy personales, de gran virtuosidad técnica, Trier se ha convertido en un director muy reconocido fuera de su país.

Influencias: Reconoce en varias de sus entrevistas la infuencia que ha recibido por parte de Bertolt Brecht, dramaturgo alemán del siglo XX y de el teatro clásico americano y sus dramones.

Tres películas:


Europa (1991): fue el tercer filme del conjunto formado por "El elemento del crimen" y "Epidemic", trilogía sobre el viejo continente, un punto de inflexión en la carrera del cineasta danés, a partir del cual sus inquietudes artísticas parecerían dar un giro de ciento ochenta grados, un viraje que en realidad fue más radical en su superficie que en su esencia.
Tras la Segunda Guerra Mundial, Leo Kessler, un joven americano de origen alemán, llega a Alemania para trabajar. Colabora con su tío en una compañía de ferrocarriles y viaja, fascinado, en un país destruido por la guerra: sin embargo, se enfrenta poco a poco a los horrores de la barbarie nazi.


Rompiendo las olas (1996): Trás tres películas tipo thriller, Trier dió un giro rotundo a su carrera crean una obra maestra sobre el amor, la obsesión, la represión sexual y religiosa, la locura,...
Al comienzo de los años 70 una ingenua joven, Bess , que vive en una pequeña comunidad de la costa norte de Escocia, se enamora de Jan , un hombre mundano que trabaja en una plataforma petrolífera. A pesar de la oposición del entorno, una rígida comunidad puritana, Bess y Jan se casan. Tras la boda, él vuelve a su trabajo, mientras que Bess cuenta los días para su vuelta, convencida de que su amor está bendecido por el cielo, especialmente porque piensa que puede comunicarse mentalmente con Dios. Pero un día Jan sufre un terrible accidente.


Bailar en la oscuridad (2000): Tercera parte de su trilogía llamada Corazón de oro y formada por "Rompiendo las olas" y "Los idiotas", donde las protagonistas, solas en el mundo, comparten una profunda bondad e inocencia.
Selma, inmigrante checa y madre soltera, trabaja en una fábrica situada en un pueblo de los Estados Unidos. Su única vía de escape a tan rutinaria vida es su pasión por la música, especialmente las canciones y los números de baile basados en los musicales clásicos de Hollywood. Selma esconde un triste secreto: está perdiendo la vista y su hijo padecerá

La intríngulis de sus historias:

Cuando en Occidente el mundo Animado y el Cómic (en general) continuaba mostrando perfiles femeninos poco definidos y siempre bajo un criterio Andropocentrista, Miyazaki, ya perfilaba sus historias otorgando un absoluto e inalienable protagonismo a fuertes pero sensibles personajes femeninos. Los roles que yacen en su trama son elaborados,desmitificadores y poseen una sólida concienciación sobre la milenaria desigualdad. Estas mujeres suelen ser intrépidas, luchadoras, inteligentes, sensibles/comprometidas con su medio y líderes. Su “cine” además de estar muy ligado al mundo de las mujeres y de ponerlas en el lugar que la historia se olvido poner, también emana una fuerte simbiósis con la naturaleza. Sus tramas no se basan en fáciles discursos sobre el medio ambiente, sino que son comprensivas e invitan a la reflexión sobre la crudeza de la coexistencia de la naturaleza y el hombre: el uso de poder porque podemos; la insensibilidad de no entender que los seres vivos sienten y padecen, como también necesitan su espacio vital.

La estética anodina como primera capa y su transfondo socioambiental:

La estética de Miyazaki es tremendamente atractiva y sugerente, sabiendo conjugar a la perfección: un mundo onírico -motivador para cualquier soñador- y una punzante pero entrañable historia. Sus personajes tienen pinta de bonachones, incluso los malos son un poco buenos, y los buenos, no son tan perfectos. Son dibujos agradables y te arrebujan por dentro con suma facilidad.

Si hay que hablar de influencias, no sabría muy bien qué decir, ya que no soy una experta en Anime y por otro lado, tampoco creo que haya tenido muchas influencias, quizá, él comenzó una nueva tendencia dentro de la animación: el Anime Socio-Ambiental.

Algunas de sus películas:



En una de sus películas más características, en la que una adolescente compagina a la perfección el compromiso con su gente y con la naturaleza. La película recuerda a veces al personaje de Juana de Arco y su incansable constancia,lucha, fé. Pero esta vez, no es por un Dios, ni una patria, sino por sus congéneres, por su medio, por la naturaleza que está a punto de extinguirse...etc Por otro lado, los dibujos, la estética y el planteamiento de la historia, a veces evoca a Dune de Frank Hebert. Bajo mi criterio su película más pura, compacta, revolucionaria, simbiótica y sincera



Una de las cosas que más adoro de este director, es la singularidad de sus películas, todas ellas guardan tal parecido, parecen extensiones unas de otras. Por ejemplo, esta me recuerda muy mucho a Nausicaä. En cierta manera es casi igual, la misma lucha, la misma protagonista, las mismas circunstancias y las mismas salvajadas contra la flora/fauna. Se palpa que “La Princesa Mononoke” está ambientada en un mundo menos ensoñador, no es tan “fantástica” como lo fue Nausicaä se nota la madurez del director y como los sueños en cierta manera se fueron enfriando, y lo utópico dejó paso a lo realista. Como su contenido, como su narrativa, la estética también se vuelve menos tosca, más recta, más pulida y en cierta manera pierde su encanto. Los personajes “bonachones” (barbas largas y blancas...) en esta película están omitidos ó escondidos en el personaje secundario de Ashitaka. Digo secundario, porque cuando llega la “princesa”, una joven medio salvaje, brutal, ávida, mortífera lo desbanca completamente. Si en Nausicaä, Miyazaki abrió un nuevo camino para el anime, aquí sin dudarlo, le dio forma y se mojo más, sobre todo en la problemática Hombre-Naturaleza. Ahondando en las distintas postulaciones para casi concluir diciendo que no tiene solución (me refiero a los humanos ^^)

Sería mi favorita sino fuese porque es la más comercial. Suma varios ingredientes muy atractivos para mí, casi son fetiches: mujeres, lobos y verde. No diré más, ya que la conoceréis seguramente.

Pd: Alguien podía añadir dos película más: Porco Rosso y Conan, por ejemplo. Vamos, si os apetece. Así quedaría más mejor ^^

Nescencia Necat

Brad Bird

Bird fue desde temprana edad un prodigio: empezó su primera película animada a la temprana edad de 11 años y la acabó a los 13. El film acaparó la atención de los estudios Walt Disney donde, a la edad de 14 años, Bird fue apadrinado por el legendario animador Milt Kahl,algunos años después Bird se graduó de CalArts cuando conoció nada mas y nada menos que a John Lasseter futuro fundador de Pixar. Entre su curriculum tenemos que ayudó a desarrollar Los Simpson a partir de las historias de un minuto del Show de Tracey Ullman y a transformarlas en la serie de media hora de duración que finalmente sería. Allí trabajaría durante algunos años más como consultor ejecutivo. Posteriormente trabajó en otras series animadas, incluyendo El crítico y El rey de la colina, antes de filmar su primer largometraje.



Rasgos: Bird tiene la enorme capacidad de plasmar en sus personajes animados, verdaderos sentimientos, emociones con las cuales el espectador pueda identificarse claramente y una gran vitalidad (¿quien puede ser mas humano e identificable que el gran robot de "The Iron Giant"?), además es un gran perfeccionista en todos sus trabajos, donde a pesar de utilizar técnicas de animación de primera siempre predomina la historia y los personajes sobre la misma, usando siempre la animación como apoyo de la historia y no al contrario; uno de sus lemas es: "El conformismo estimula la mediocridad"

Influencias: Dada la diversidad de su trabajo son múltiples las referencias e influencias cinematográficas de Bird; entre las mas destacables serían Robert Wise (su "The Day the Earth Stood Still" influyen en muchos aspectos a "The Iron Giant"), asi como de su colega John Lasseter y otros como Don Bluth, creador de la menospreciada pero interesante "An American Tail". Afortunadamente Bird no siente mucha predilección por los numeros musicales para alargar innecesariamente una cinta, y el aspecto humorístico no resulta tan importante en sus guiones y situaciones.

Tres Películas:

El Gigante de Hierro (1999)
Ambientada en una América inmersa en plena paranoia de la Guerra Fría, la historia de un niño que hace amistad con un robot venido del espacio está contada empleando un estilo de animación heredero de la Disney clásica y de Hanna-Barbera, en la cinta predomina la premisa general de las cintas de Bird: a pesar de tener una animación ejemplar es capaz de desdeñar el esquematismo en el dibujo en pos de una cuidada caracterización de los protagonistas. La cinta ya es un clásico del cine animado y una de las mejores películas de los 90.



Los Increíbles (2004)
Una familia de superhéroes casi retirados, algo entraditos en años y kilos, que tratan de sobrevivir en la dura vida diaria, son obligados a volver a la acción... simplemente para salvar al mundo. Un sentido homenaje a los héroes del comic, en especial a la Marvel, con claros homenajes a leyendas de la cultura pop como James Bond o Los 4 Fantásticos, muy posiblemente la mejor y más brillante película familiar del año 2004.



Ratatouille (2007)
Desde que nació, Remy ha sido bendecido con un olfato prodigioso y con un sueño: convertirse en el chef de un restaurante de lujo. Remy tendrá que superar el enorme problema de abrirse camino en una profesión que odia a los roedores, pero sus fantasías rebosan de flambés y sautés. Cuando Remy aterriza casi literalmente en el restaurante parisino de su héroe gastronómico, Auguste Gusteau, cuyo lema era “todo el mundo puede cocinar”, no tarda en comprender que la cocina no es un lugar donde es bien visto. Justo cuando sus sueños están a punto de desvanecerse, da con lo único que necesita, un amigo que cree en él, Linguini, el pinche de la cocina, un chico tímido, torpe, y que no sabe cocinar.....
Ultima maravilla de Bird, la mas conseguida en el aspecto animado (tampoco es de extrañar ya que la tecnología avanza constantemente), con una riqueza visual y de personajes que ya envidiarían los cineastas mas consagrados, para algunos la cinta es una obra maestra (y no solo del cine animado), para otros un clásico instantáneo, lo cierto es que la película no deja indiferente, un trabajo excepcional de un artesano del cine excepcional; atención al extraordinario clímax final.



Radiomanhead

Milos Forman


Nacido el 18 de febrero de 1932 en Cáslav, Checoslovaquia en 1932. Hijo de padre Judío y madre Protestante. Se quedó huérfano a temprana edad después de que sus padres murieran en el campo de concentración de Auschwitz, donde se encontraban por su pertenencia a los grupos de Resistencia Checa. Estudió dirección cinematográfica en la Escuela de Cine de Praga. Dirigió varias comedias Checas en Checoslovaquia.
A pesar de las dificultades iniciales empezó a dirigir en su nuevo país, y alcanzó un notable éxito en 1975 con la adaptación de la novela de Ken Kesey Alguien voló sobre el nido del cuco, que ganó 5 Premios de la academia incluyendo el de mejor dirección. En 1977, se convirtió en ciudadano de los Estados Unidos.

Rasgos: Sus películas son una celebración del individualismo y se concentran en el comportamiento humano de cada persona. Está comprobado que a Milos Forman le gustan los personajes únicos, extravagantes y tan irreverentes como geniales.

Influencias: Fan de las comedias de Charlie Chaplin y Buster Keaton, y de los westerns de John Ford, Forman ha reconocido la influencia que ejerció en él vivir el comunismo en Checoslovaquia y la invasión nazi.

Tres películas:


Alguien voló sobre el nido del cuco (1975)
5 Oscar: mejor película, director, actor (Jack Nicholson), actriz (Louise Fletcher), guión adaptado.
Randle McMurphy cumple una larga condena en una granja-prisión y se las ingenia para ser trasladado a una institución psiquiátrica. Una vez allí, avisado por el resto de los pacientes sobre los tiránicos métodos de la enfermera jefe, Randle decide declarar la guerra a la señorita Ratchel. Tras una explosión de cólera de Randle, le aplican un tratamiento de electroshock. Pero para entonces ya se ha ganado a los internos...


Amadeus (1984)
8 Oscar: mejor película, director, actor (F. Murray Abraham), guión adaptado, vestuario, dirección artística, sonido, maquillaje. Antonio Salieri es el músico más destacado de la corte del Emperador José II de Austria. Entregado completamente a la música, le promete a Dios humildad y castidad si, a cambio, mantiene sus dotes musicales de excepción. Durante algún tiempo cree que su voto ha sido escuchado pero, la llegada a la corte de un joven llamado Wolfang Amadeus Mozart, le relega a un segundo plano. Irritado por la pérdida de protagonismo, va a hacer todo lo posible para arruinar la carrera del joven músico. Mientras, Mozart sorprende a todos con sus excepcionales dotes musicales y sus caprichosas excentricidades.


El escándalo de Larry Flynt (1996)
1996: 2 Nominaciones a los oscar. A principios de los años setenta, en plena revolución sexual en Norteamérica, un empresario llamado Larry Flynt crea una cadena de establecimientos de strip-tease, que será la semilla de su futuro gran imperio de revistas: Hustler. Para muchos fue una revista vulgar, llena de sensacionalismo y sexo desinhibido y provocador, y sin embargo convirtió a Flynt en un adalid de la primera enmienda de la Constitución americana.

Chunyta

Tom Tykwer

Tom Tykwer nació en Wuppertal (Alemania) en 1965. El joven entusiasta del cine ya realizaba sus primeras filmaciones en Super-8 a los 11 años. Desde 1980 ha trabajado de proyeccionista en salas de cine de programa especial y en 1988 pasó a encargarse de la programación de las películas de los cines Moviemento de Berlín. También se dedicó a la revisión y corrección de guiones y a crear retratos televisivos de varios cineastas. Tras los dos cortometrajes Because (1990) y Epilog (1992), realizó su primer largo en 1993: Mortalmente Maria, el cual fue recibido con mucho entusiasmo por parte de la critica y del público en los distintos festivales de cine donde fue presentada.



Rasgos: Le gusta mucho trabajar sobre "El Efecto Mariposa" en sus películas y de como los pequeños detalles pueden hacer la diferencia en muchos escenarios vitales, dentro del aspecto visual de sus cintas es mas dificil catalogarlo ya que a través de su filmografía ha mostrado filmar desde un ritmo videoclipero (sin gratuidades, y siempre en favor de la historia) hasta llegar a un estilo mas clásico como lo lo hizo en su ultima cinta "El Perfume", lo cierto es que Tom siempre ha reflejado en sus filmes un personaje principal con sus cuitas existenciales y como pequeñas cosas, a veces en apariencia intrascendentes pueden cambiar por completo su vida.

Influencias: Peter Pan fue probablemente la primera película que vio, y dice que la fantasía juvenil de crear un mundo mágico paralelo fue una inspiración ese día, según palabras del propio Tom otras cintas y trabajos que lograron influenciarlo a lo largo de su carrera han sido: Milagro en Milan de Vittorio de Sica, King Kong (La versión original claro),La Novia de Frankenstein de James Whales y Halloween de John Carpenter, aunque a nivel general habría que definir a Tykwer como un autodidacta, un fanático del cine que poco a poco fue el mismo explorando su talento.

Tres películas

CORRE, LOLA, CORRE (1998)
(Lola rennt)

Una joven corre desesperadamente en búsqueda de una cantidad de dinero que salve a su novio de la muerte y solo tiene 20 minutos para conseguirlo. Para esta cinta Tykwer revisó una idea que siempre le habia fascinado: la relación entre coincidencia y destino. Una pequeña alteración en el desarrollo de un día puede tener enormes consecuencias, incluso marcar la diferencia entre la vida y la muerte. El resultado fue Run Lola Run (Corre, Lola, Corre), la película alemana más exitosa en ese 1998. La imagen de una Franka Potente pelirroja corriendo las calles de Berlín atrapó al público internacional. Triunfó en el Venice Film Festival, que le dio reputación a nivel mundial, ganando abundantes galardones.



LA PRINCESA Y EL GUERRERO (2000)
(Der Krieger und die Kaiserin )

Su siguiente proyecto con Franka Potente, quien se había convertido en su novia. La cinta fue filmada en Wuppertal, el pueblo natal del director, allí, el director estaba en su elemento, finalmente capaz de hablar (sin problemas financieros) sobre el tema que siempre le había intrigado: El poder instintivo del amor para superar los obstáculos externos y el dolor emocional.

El film fue proyectado en el Venice Film Festival y en más de 30 países. En 2001 ganó una Lola de plata, el premio alemán a la mejor película. Tykwer comenta que La Princesa y el Guerrero fue su película más exitosa hasta la fecha (épica e intimista, personal y universal)."Me gusta pensar que en la vida nada sucede por azar" declaró una vez el alemán, luego del estreno de esta cinta.

Esta película igualmente crearía una especie de unanimidad en el público alemán en la que todos parecían coincidir que Franka Potente era la mejor actriz de su generación (al menos en Alemania).



El perfume: historia de un asesino (2006)
(Das Parfum - Die Geschichte eines Mörders)

La primera verdadera superproducción de Tykwer es este exitoso thriller sobre el brillante y despiadado perfumista Jean-Baptiste Grenouille, basado en un bestseller mundial que se publicó por primera vez en Suiza de la mano de la editorial Diogenes-Verlag, a principios de 1985. Su autor, Patrick Süskind, nacido en 1949 cerca de Munich, se convirtió en una sensación literaria a escala internacional. La novela ha vendido más de 12 millones de ejemplares en todo el mundo y se ha traducido a 42 idiomas (¡incluyendo el latín!), y es mayormente famosa por tener una extraordinaria capacidad de transmitir de manera literaria un mundo de escencias y olores, por lo que su tarea de llevarla al cine muchos la consideraban como casi imposible.Sin embargo en el 2001 el productor Bernd Eichinger adquirió los derechos de la película y Tom Tykwer, director de uno de mis ejercicios cinematográficos favoritos como lo es "Run, Lola Run" fue el escogido para llevar a la gran pantalla esta novela, la cual hoy por hoy sigue desatando furor en todo el mundo e incluso es estudiada en universidades de todo el mundo, en todas las disciplinas que aborda: sicología, historia, criminología, derecho y, por supuesto, literatura.



El resultado es una cinta de gran ambientación, filmada con maestría y una buena interpretación de sus actores, incluso tenemos un cameo del gran Dustin Hoffman (que a mi parecer le corta ritmo al filme) y una estupenda fotografía, la cual en algunos momentos consigue en parte, transmitir ese mundo de esencias y aromas a la gran pantalla; aunque el resultado final a nivel de múltiples lecturas y profundidad diste mucho de la novela, y a mi parecer solo quede en un correcto thriller ambientado en el siglo XVIII.

Sobre el clímax final (tan famoso en la novela) es difícil dar una opinión; por lo menos a mi me ha parecido que Tykwer se acerca con creces al ridículo, aunque finalmente logre quedar bien parado, por otra parte y citando aspectos mas formales la banda sonora compuesta por el propio Tykwer en compañía de Reinhold Heil y Johnny Klime es de lo que menos me ha gustado quedando en general una cinta correcta sin muchos problemas graves, pero rutinaria y olvidable, que con toda seguridad no pasará a la historia, aunque no sabemos si esa era la intención de sus creadores.

Radiomanhead

Vincenzo Natali

Director y escritor canadiense nacido en el año 1969 que comenzó su carrera en el cine realizando story boards (Johnny Mnemonic fue uno de sus trabajos), se ha convertido en los ultimos 10 años en una figura de culto dentro de la ciencia ficción, gracias a sus minimalistas, paranóicas y peculiares propuestas.



Influencias: Terry Gilliam (especialmente por Brazil) ha sido uno de los principales cineasta que han influenciado a Natali durante su carrera, así como el libro 1984 de George Orwell, ambas historías distópicas con transfondos similares a las cintas del director canadiense. Además es un gran seguidor de Alfred Hitchcock y aparentemente de la serie de TV "The Twilight Zone".

Rasgos: En sus películas mezcla la ciencia-ficción con el thriller psicológico aderezado con una apuesta por la fuerza visual, además sus personajes y sus historias están siempre en medio de una distopía es decir, una utopía negativa donde la realidad transcurre en términos opuestos a los de una sociedad ideal, es decir, en una sociedad opresiva, totalitaria o indeseable, y se usa principalmente para hacer referencia a una sociedad ficticia (frecuentemente emplazada en el futuro cercano) en donde las tendencias sociales se llevan a extremos apocalípticos. Sus filmes siempre tienen unos personajes que luchan por sobrevivir a pesar de los obstáculos que se encuentran a su alrededor (obstáculos materiales y psicológicos).

Tres Películas:

CUBE (1997)



6 personas aparecen encerradas en un complejo laberinto de habitaciones cúbicas que esconde trampas mortales. No saben cómo llegaron allí, pero pronto descubren que deberán de resolver ciertos enigmas y sortear con habilidad todas las trampas si quieren sobrevivir.Un cubo es el protagonista, un cubo de proporciones faraónicas, que a su vez contiene multitud de otros cubos más pequeños en su interior. El meollo del asunto está en meter a un grupo de personas distintas en su interior y observar cómo actúan y cómo se las arreglan para intentar sobrevivir dentro de esos cubículos llenos de trampas mortales, sin comida y sin bebida, y sin ni tan siquiera saber cómo y por qué llegaron hasta allí.

"No podía creer lo que estaba pasando con 'The Cube' -confiesa el director canadiense-; nunca pensé que la modesta película de un estudiante fuera a ser vista por alguien aparte de mis amigos. Y lo más chocante... es que del film se ha hecho una versión teatral que se sigue representando en todo el mundo."

Por supuesto, al día de hoy "Cube" es una cinta de culto y ha ganado premios en los festivales de Toronto, México y de Sitges.

CYPHER (2002)



Morgan Sullivan es un contable en el paro atrapado por un matrimonio sin futuro y con un solo sueño: dejar atrás su cansina existencia para embarcarse en una vida de libertad y emociones. Buscando una salida a una vida tan poco brillante y para escapar de su dominante esposa, decide incorporarse a la multinacional Digicorp y convertirse en un espía industrial.

Adoptando una nueva identidad, es enviado a espiar a distintas convenciones empresariales donde tendrá que recoger, en secreto, todos los detalles y transmitirlos a Ed Finster su desalmado jefe. Pero en el transcurso de una de sus misiones, Morgan conoce a la bella y escurridiza Rita, quien le revelará las verdaderas actividades de Digicorp.

Cinco años después del éxito de CUbe Natali regresó con una cinta algo mas "mainstream", con dos actores de cierto renombre como Jeremy Northam y Lucy Liu, algo mas convencional que su predecesora, aunque igualmente encontramos mucha de sus pautas ya que es un relato de engaños, paranoia y personalidades reconstruidas.Natali nos dice sobre lo que sintió cuando leyó el guión: "era como si Kafka hubiera escrito una película de James Bond", cuenta entusiasmado. "Lo que me sedujo fue la historia de Morgan, el personaje principal: su viaje de descubrimiento personal y su deseo de ser alguien mejor de quien es."

La película ya ha recogió premios como el de mejor director en el Festival Internacional de Cine de Bruselas, mejores efectos y premio del jurado en Fantasporto 2003 y premio al mejor actor en Sitges 2002.

NOTHING (2003)



Esta peculiar comedia de ciencia ficción sobre dos hombres que se encuentran al límite de sus posibilidades; sin dinero, sin trabajo y sin futuro, en fin, que el mundo se desmonta a su alrededor hasta que de pronto... todo desaparece quedándose en medio de la nad, es posiblemente la propuesta mas arriesgada y personal de Natali hasta la fecha.

¿Qué ocurre cuando a dos perdedores se les da el poder de hacer desaparecer de la faz de la tierra las cosas que no les gustan? Esa es la premisa de "Nothing", un viaje hacia la caída de dos perdedores y de la pesadilla daliniana que ellos mismos crean de manera inconsciente. Según sus propias palabras Natali concibió la idea de "Nothing" en 1996 cuando le fascinó el concepto de la "nada" y ha comentado sobre la cinta que "Nothing" trata sobre cómo no vale la pena vivir en el mundo sin un amigo" y "¿Qué podría ser más impresionante que la completa ausencia de todo?".

Radiomanhead

Paul Greengrass

Nacido en Cheam, Inglaterra el 13 de agosto de 1955 es reconocido por el intenso realismo que suele plasmar en sus películas otorgándole un tono casi documental a las historias que esté narrando, además ha desmotrado gran versatilidad dirigiendo comedias romanticas, intensis dramas históricos y taquilleros thrillers de acción. Debutó en la dirección con Resurrected en 1989 y tras pasar varios años trabajando en producciones para televisión realizó Extraña petición en 1998, aunque no sería hasta 2002 cuando se diese a conocer al gran público con la excelente Bloody Sunday, película que repasa los acontecimientos del Domingo sangriento con un estilo casi documental que se ha hecho característico en su filmografía.



Rasgos: Tono documental y alto sentido del realismo, camara en mano durante el 99,5% del metraje del filme, fotografía de alto contraste, ritmo frenético, como rasgo característico por cierto es de hacer notar que sus cintas no suelen tener una excesiva duración.

Influencias: En su filmografía se puede ver la influencia de el trabajo de Ken Loach en general y sobre todo su Hidden Agenda, el brillante y controvertido director italiano Gillo Pontecorvo y también en cierta forma mucho del trabajo de Jim Sheridan.


Tres Películas:

Bloody Sunday (2002)
Premiada película de estilo docudrama en el que se narran los trágico sucesos ocurridos en el domingo 30 de Enero de 1972, cuando soldados británicos dispararon contra civiles desarmados que participaban en una marcha en Irlanda del Norte; trece personas murieron en las calles de la ciudad de Derry (Londonderry para los ingleses) y otras catorce fueron heridas por las balas del ejército británico. Eran unos civiles desarmados que participaban en una manifestación contra el decreto del Gobierno británico autorizando los internamientos preventivos. Este día, que se conoce en la historia por el nombre de Bloody Sunday (Domingo Sangriento), fue crucial en la historia contemporánea del problema irlandés porque convirtió el conflicto (que se arrastra desde hace más de 700 años) en una guerra civil, hizo que muchos jóvenes se integraran en el IRA y alimentó un ciclo de 25 años de violencia.



La película cuenta lo que pasó ese día, desde el amanecer hasta el anochecer, desde la llegada de las tropas a las calles de la ciudad sitiada hasta la violenta actuación de los soldados del formidable Regimiento de Paracaidistas contra los manifestantes civiles, y sigue con algo más de detalle a cuatro hombres: Ivan Cooper, líder de los defensores de los derechos civiles, lleno de idealismo y que comparte el sueño de Martin Luther King de lograr un cambio pacífico; Gerry Donaghy, un rebelde católico de 17 años, que desea establecerse y casarse con su chica (protestante) pero que se ve arrastrado por el enfrentamiento con los soldados; el general de brigada Patrick MacLellan, comandante del ejército británico en Londonderry, que se ve presionado para que detenga con firmeza la manifestación, y un joven soldado, un operador de radio de los paracaidistas, que, junto a su unidad de aguerridos veteranos, recibe la orden de entrar en el Bogside.

United 93 (2006)
El 11 de septiembre de 2001 cuatro aviones fueron secuestrados. Tres alcanzaron su objetivo. Uno no... "United 93" relata la historia de la tragedia del 11 de septiembre a través de una meticulosa recreación de los acontecimientos que rodearon el vuelo 93 de United Airlines, el último avión secuestrado aquella mañana, con el convencimiento de que a través del estudio de este hecho se pueda ver algo mucho más amplio: el estado actual del mundo. FLIGHT 93, realizada con el apoyo de las familias de los pasajeros que viajaban a bordo del avión, relata en tiempo real la dramática historia de lo que ocurrió en el aire y en tierra, mientras los pasajeros, la tripulación, los controladores aéreos y los centros militares intentaban entender y solucionar una crisis nunca imaginada previamente.



Paul Greengrass es un director al que se la ha visto bien parado en géneros que toman como base sucesos de la vida real para darle un tono documental y realista a sus películas, incluso un filme 100% escapista como “The Bourne Supremacy” no escapa del tono realista y creíble a el que Greengrass logra impregnarle a sus películas; pero que quede claro: no debemos nunca
relacionar tono realista y documental con películas de alta calidad, el hecho de que se busque alejarse de la comercialidad y auto complacencia del cine actual (y no solo del hollywoodense) no quiere decir que la película sea una obra notoria si esta no consigue su objetivo de plasmar la historia de manera adecuada a los sentimientos y emociones que esta pretenda
transmitir.

Afortunadamente no es el caso de este filme, United 93 es una película estupendamente compactada, narrada en tiempo real, sin patriotismos innecesarios, empeño en el detalle técnico, buen pulso narrativo y un tono directo que la aleja del sentimentalismo y la lágrima fácil, dando como resultado un filme duro pero necesario que todos deberían ver y que nos
recuerda el tipo de mundo en el que vivimos.

The Bourne Ultimatum (2007)
Tercera y última entrega de las aventuras del agente Jason Bourne creado en el mundo literario por Robert Ludlum, que vuelve a la acción cuando dos periodistas que investigan a la desaparecida sección Treadstone de la CIA son eliminados, en misteriosas circunstancias, en un intento de borrar las últimas piezas de ese pasado que él aún intenta recuperar.



La crítica y el público se han rendido a los pies del cierre de esta mas que decente saga de acción de la cual Greengrass dirigió dos entregas, definitivamente un director a seguir en el futuro y que ya es referencia importante del cine actual.

Radiomanhead

Jim Sheridan



Jim Sheridan; (Dublín; 6 de febrero de 1949 - ); actor, director, productor y guionista de cine irlandés.
El joven cineasta irlandés comenzó su carrera en el teatro como uno de los fundadores del Project Art Centre de Dublín. Sus primeros años estuvieron destinados a la producción teatral, incluyendo la muy aclamada Spike in the First World War, basada en la novela de Jaroslev Hasek. A inicios de los 80, Sheridan junto con su mujer y sus dos hijas cruzó el océano hasta los Estados Unidos con la intención de adentrarse en el mundo de Broadway. Una vez allí, Sheridan se matriculó en la Escuela de Cine de la Universidad de Nueva York para un curso de seis semanas.

Rasgos: Una constante en sus películas es la presencia de seres que, atrapados por las circunstancias, tratan de liberarse, en situaciones con las que logra crear personajes inolvidables e interpretaciones excepcionales por parte de sus actores.
Además no sólo manifiesta un gran respeto por los hechos reales sino que es capaz de hacer traslucir la vida misma a través de ellos.

Influencias: Clara está en dos de sus películas, la influencia de la lucha de Irlanda del Norte por la independencia, su viaje a América con toda su familia. Además Sheridan utiliza un sistema original para expresar su creatividad y tratar de superar el trauma que supuso la muerte de su hermano: la programación neurolingüística.

Tres películas:


Mi pie izquierdo (1989)
Narra la inspiradora vida de Christy Brown, un escritor irlandés aquejado de parálisis cerebral, cuya tenacidad echó por tierra todas las barreras que impedían su integración en la sociedad. Un conmovedor ejemplo de superación y lucha por conseguir las metas.
Consiguió dos Oscars de la academia: Mejor actor para Daniel-Day Lewis y mejor actriz secundaria Brenda Fricker.


En el nombre del padre (1993)
En la atormentada Belfast de los años 70, Gerry es un gamberro que sólo sabe beber e ir de juerga, para disgusto de su padre Giuseppe , un hombre tranquilo y educado. Cuando Gerry se enfrenta al IRA, su padre le manda a Inglaterra, pero acaba en el sitio equivocado en el momento equivocado. Aunque es inocente se ve obligado a confesar su participación en un atentado terrorista y es condenado a cadena perpetua junto al resto de los "cuatro de Guildford". Su padre Giuseppe es también arrestado y encarcelado, y durante su estancia en la cárcel, Gerry descubre que la aparente fragilidad de su padre esconde en realidad una gran fuerza y sabiduría interior.
Posteriormente Sheridan escribiría un guión titulado "En el nombre del hijo" basada en unos hechos reales ocurridos en 1981 en una prisión británica por parte del miembro del IRA. Dirige Terry George.


En América (2002)
Una familia irlandesa compuesta por los padres y sus dos hijas llega a Nueva York. Llenos de ilusión pero sin dinero, se alojan en un destartalado apartamento de Manhattan, en un barrio lleno de yonquis y travestis. El padre intenta triunfar en el mundo del espectáculo como actor pero, mientras se intentan acostumbrar a su nueva y humilde vida en el barrio, la familia se enfrenta al recuerdo de la pérdida de un hijo muerto.

Chunyta

Mike Nichols


Mike Nichols

Director estadounidense de cine de origen alemán. Nació en Berlín y su verdadero nombre es Michael Igor Peschkowsky. En 1938 escapó con su familia judía de la Alemania nazi a Estados Unidos, y en 1944 se convirtió en ciudadano estadounidense. Tras estudiar en la Universidad de Chicago trabajó como cómico junto con la actriz y directora Elaine May. Desde 1963 comenzó a adquirir reputación como director teatral vanguardista, dirigiendo las primeras comedias de Neil Simon en Broadway.

Rasgos: Nichols es conocido sobre todo por sus películas en tono de sátira sobre la sociedad americana de posguerra, en las que toca temas como la sexualidad y el rechazo al conformismo.
Además sus personajes se suelen alejar de lo convencional, no realtanto simpáticos.

Influencias: Su vida en la Alemania nazi y sobre todo su paso por los escenarios de Brodway, son los puntos que más destaca Nichols en su carrera, donde muchas de sus escenas parecen rodadas en un escenarios de teatro.


El graduado (1967)
Un clásico de los sesenta. Un joven estudiante, que acaba de recibir su graduación, comienza a salir con una compañera. Lo que el joven no espera es que la madre de su novia, una mujer madura y sexy, intente seducirle.
7 Nominaciones


Armas de mujer (1988)
Tess, una joven neoyorquina de extracción humilde, acude todos los días en ferry a su oficina dispuesta a luchar con uñas y dientes para alcanzar y superar cuanto antes el nivel de sus jefes. Sin títulos académicos ni formación profesional ni posición social, es una más de la treintena de secretarias que trabajan en la empresa Petty Marsh, pero ella desea desesperadamente un empleo mejor.
6 Nominaciones a los Oscar


Closer. Cegados por el deseo (2004)
Una historia de pasiones, sexo, amor y abandono que involucra a dos parejas, con una situación que se complica cuando el hombre de la primera pareja conoce a la mujer de la segunda pareja.

Chunyta