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El panorama cinematográfico en la actualidad

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El panorama cinematográfico en la actualidad 

mensajeMie 28 Feb, 2007 7:42 pm.

¿QUIÉN ES QUIÉN EN LA CINEMATOGRAFÍA INTERNACIONAL ACTUAL?

Bressoniano escribió:
Sé que mucha gente piensa que hoy por hoy, el cine se ha rebajado a industria decadente. Quiero abrir, más que un espacio de debate, una galería: lo que pretendo con este post es, no solamente venir yo y dar algunos nombres que considero indispensables para comprender el panorama cinematográfico actual, sino invitar a que todos, y espero vuestra participación, engrosemos una lista que pueda servir de guía a aquel que se encuentre perdido entre las formas y los discursos actuales.


Como bien dice Bressoniano, este tema tiene como objetivo el confeccionar una guía de los directores que consideremos indispensables de la cinematografía actual de todo el mundo. De esta manera, si alguien quiere iniciarse en la filmografía de algún director de los que aquí se nombran pueda tener una pequeña referencia de las formas, los géneros y los estilos entre los que se mueve.

En este tema iré recopilando las fichas que se publiquen en éste otro tema, que sirve como borrador donde cualquiera puede aportar lo que crea oportuno. Ya me encargaré yo de ir actualizando las fichas definitivas con los añadidos que cada cual crea oportunos. Esperamos contar con la colaboración de mucha gente a ver si conseguimos ampliarla para que realmente alcance el objetivo para el que fue diseñada.


======================= A =======================
imagen Abbas Kiarostami
imagen Alejandro González Iñárritu
imagen Aleksandr Sokurov
imagen Apichatpong Weerasethakul

======================= B =======================
imagen Béla Tarr
imagen Brad Bird

======================= C =======================
imagen Christopher Nolan
imagen Claire Denis

======================= D =======================
imagen Danny Boyle
imagen David Cronenberg
imagen David Fincher
imagen David Lynch

======================= E =======================
imagen Eric Rohmer
imagen Ethan y Joel Cohen

======================= G =======================
imagen Gus Van Sant

======================= H =======================
imagen Hayao Miyazaki
imagen Hong Sang-soo
imagen Hou Hsiao-hsien

======================= J =======================
imagen Jacques Rivette
imagen Julio Medem

======================= K =======================
imagen Kim Ki-duk

======================= L =======================
imagen Lars Von Trier

======================= M =======================
imagen Michael Haneke
imagen Michel Gondry
imagen Milos Forman

======================= P =======================
imagen Park Chan-wook
imagen Paul Greengrass
imagen Paul Verhoeven
imagen Pedro Costa
imagen Philippe Garrel

======================= Q =======================
imagen Quentin Tarantino

======================= S =======================
imagen Sam Mendes

======================= T =======================
imagen Takashi Miike
imagen Takeshi Kitano
imagen Tim Burton
imagen Tom Tykwer
imagen Tsai Ming-liang

======================= V =======================
imagen Víctor Erice
imagen Vincenzo Natali

======================= W =======================
imagen Wes Anderson
imagen Wong Kar Wai

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mensajeMie 28 Feb, 2007 7:44 pm.

Hong Sang-soo

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"El menos reconocido de los grandes maestros contemporáneos pero probablemente el que ha alcanzado la madurez más anticipadamente, el más seguro y el que más claramente puede sustentar un cine definitivo que no muestra concesión alguna".
Hong Sang-soo es un investigador del punto de vista, trasladado a una especie de, como han indicado algunos críticos avispados, plano-contraplano. En realidad, no es que su cine explote la relación plano-contraplano ortodoxa, sino que la abstrae. Su cine avanza hacia una generalización del concepto, recorre senderos de una nueva dialéctica.

Rasgos: Juegos estructurales con los puntos de vista como eje. Zooms. Relaciones triangulares. Largos paseos de los protagonistas. Comidas con borracheras. Charlas.

Influencias: Sus películas parecen salidas de la "Nouvelle Vague", con Rohmer como máxima influencia, pero también planea la sombra de Rivette en las derivas narrativas que toman las películas de Sang-soo.

Tres películas:

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"Virgin stripped bare by her bachelors" se rompe en dos para contar la misma historia (de amor y desamor, problemas con el sexo, infidelidades) desde distintas ópticas, mostrando que la realidad no siempre encaja como un puzzle.

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"Turning Gate" también tiene estructura especular, con la memoria en el papel de espejo. En la primera parte se relata un triangulo amoroso durante la visita del protagonista a la ciudad de su antiguo amigo. Éste se marcha (y deja atrás, literalmente, la primera historia) y conoce en el tren a una chica que parece le conoce, pero a la que no consigue recordar. Intentará reemprender una relación con ella.

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"Tale of cinema" establece una complea red de relaciones entre la realidad y la ficción, entre vida y cine. Era natural que con “Tale of Cinema” el mecanismo-espejo se trasladara al mundo del Cine. Aquí una pareja se reecuentra y deciden suicidarse juntos, pero después descubrimos... hay que verlo.


Bressoniano

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mensajeMie 28 Feb, 2007 7:46 pm.

Gus Van Sant

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Después de una carrera errática (unos comienzos independientes aceptables aunque tópicos y una serie de películas comerciales lamentables) Van Sant sorprendió (y de qué manera) a todos con una trilogía que hacía saltar las convenciones cinematográficas, tres películas con un contenido - parcialmente, como veremos - nuevo. Reformulación radical del espacio y de la simultaneidad en una huída de la narración convencional hacía nuevos territorios casi vírgenes.

Rasgos:Travellings siguiendo a los personajes en su caminatas. Distintos puntos de vista que rompen la linealidad del relato. Planos secuencia virtuosísticos. Antipsicologismo. Muerte.

Influencias:La más clara es Béla Tarr, pues como Van Sant confiesa, fue la monumental "Satantango" la peli que inspiro su cine. Pero hablar de Tarr como influencia es hablar de Tarkovski, de Jancsò o Sokurov.

Tres películas:

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"Gerry" trata de dos jóvenes anónimos en busca de "algo", que terminan perdidos en el desierto, dando larguísimas caminatas en las que no ocurren nada, salvo una progresiva extenuación de sus cuerpos. Todavía no se libra de la enorme influencia de Tarr, y también es muy parecida a una obra de los 70 casi desconocida, la experimental "La cicatriz interior".

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"Elephant" es un hito. Completamente nueva, estructuralmente perfecta. Recrea de forma muy particular las horas anteriores a la tragedia de Columbine. Planos secuencia siguiendo a los jóvenes por los pasillos de un instituto, registrando sus idiosincracias.

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"Last Days" sigue el camino, radicaliza si cabe su discurso. Para muchos es la mejor de la trilogía, cuenta las últimas antes del suicidio de un artista de rock, un alma a punto de separarse de su pesado cuerpo, prácticamente un zombie.


Bressoniano

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mensajeMie 28 Feb, 2007 7:47 pm.

Pedro Costa

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Hablar de Costa es hablar de una experiencia extrema, de un rigor radical. Es hablar del cine anti-representación, que pone patas arriba los cimientos del logocentrismo, de la realidad naturalizada y de la separación entre las palabras y las cosas. Porque el mundo, en su simplicidad, es mucho más complejo. El sujeto y el objeto son iguales, y las palabras revolotean a su alrededor.

Rasgos: Cámara estática. Declamación. Rigor. Estilización de la vida de yonkis, casi documental (aunque contradiga lo primero).

Influencias:Sobretodo, el matrimonio Jean Marie Straub & Danièlle Huillet. Pero hablar de esto, es hablar de la corriente formalista que inauguró Robert Bresson. También podemos rastrar influencias en Chantal Akerman (aquí muy claras) y Manoel de Oliveira.

Tres películas:

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"Ossos" es la más bressoniana de sus películas. Encuadres muy cerrados y un seguimiento documental a una serie de habitantes del marginal barrio de Fontainhas, en Lisboa.

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"No quarto da vanda" trata sobre una pareja, ya presente en "Ossos" (se podía decir que protagonista) que se dedican a drogarse en la habitación del título. Radicalización de la anterior, un paso de Bresson a Straub.

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"Juventude em marcha" avanza en la depuración estilística. Esta vez se centra en Ventura, veterano inmigrante de Cabo Verde abandonado por su mujer, que piensa en comprarse una vivienda de protección oficial para salir del desalojado Fontainhas.


Bressoniano

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mensajeMie 28 Feb, 2007 7:50 pm.

Abbas Kiarostami

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Kiarostami pertenece a la generación de cineastas que creó la renombrada “New Wave”, movimiento del cine iraní que comenzó en los ’60 y se popularizó a partir de 1970. Esta corriente creó filmes artísticos innovadores con un alto contenido filosófico y político; algunos empleando realismo, otros mediante metáforas.
“Menos es más”, es la sencilla pero contundente declaración de principios que, desde hace por lo menos tres décadas, rubrica el cine del iraní Abbas Kiarostami. A un mundo que ama la transparencia, el diálogo, la sinceridad, los desahogos emocionales, las preguntas, la información, las películas de Kiarostami lo reprenden y averguenzan con su lógica de la contemplación. Su cine llega a la transparencia por un camino inverso: el de la sustracción. Personajes y situaciones opacas que nos deberán para siempre sus móviles últimos y sus ulteriores significados. “Vaciar el estanque para procurarse los pescados”, decía el viejo Bresson.
Si el cine clásico, de acuerdo con sus teóricos, conviene en unas premisas que se pueden resumir en que es altamente comunicativo, crea estructuras cerradas, es omnisciente y se apoya en la relación causa-efecto, el cine moderno en su estación Kiarostami es francamente opaco, abierto a múltiples desarrollos y significados, concentrado en fragmentos más que en la totalidad y definitivamente aleatorio. Frustra de esa manera, de palmo a palmo, las ilusiones del espectador.y su necesidad de consuelos y seguridades dramatúrgicas.

Rasgos:Su cine llega a la transparencia por un camino inverso: el de la sustracción. Personajes y situaciones opacas que nos deberán para siempre sus móviles últimos y sus ulteriores significados. “Vaciar el estanque para procurarse los pescados”, decía el viejo Bresson.

Influencias:De ahí la ligazón del cine de Kiarostami con el neorrealismo: uno y otro evitan las convenciones dramáticas y potencian en cambio las contradicciones de los personajes, de los objetos, de los paisajes, que se hacen visibles por la existencia material de la imagen. Como el neorrealismo, el cine de Kiarostami es una análisis de la realidad desde su superficie visible: un cine superficial.

Tres películas:
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Historia de un alumno que busca la casa de un compañero para devolverle su cuaderno. En la escuela del pueblo de Koker, al norte de Irán, Mohamed no ha hecho los ejercicios en el cuaderno y el profesor le amenaza con la expulsión si vuelve a repetir la misma falta. Esa misma tarde, su compañero, Ahmed, toma por equivocación el cuaderno de Mohamed y cuando decide ir a buscar la casa de su amigo para devolvérselo, se pierde en la noche. Un canto a la solidaridad protagonizada por un niño, capaz de atravesar a pie kilómetros de campos en mitad de la noche por evitar el mal de su compañero.

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Un equipo de filmación está rodando un película sobre la reconstrucción de un pueblecito asolado por los terremotos que sacudieron Turquía en mayo del 93.

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Abbas Kiarostami cuenta la historia de un hombre que desea morir en una sociedad donde el suicidio es considerado una aberración. Describe la búsqueda de un hombre de mediana edad, casado y desesperado, de alguien que le ayude a consumar su suicidio.
A lo largo del viaje que efectúa por las colinas de Teherán, van cruzándose en su vida diversos personajes. Afganos, Kurdos, Turcos, prisioneros del desierto, un soldado, un seminarista y un empleado del museo de historia natural. A todos les pide ayuda para cumplir su fin, pero sólo conseguirá respuestas que tratarán de disuadirle de su objetivo.
Un film obsesivo de intensidad penetrante, El Sabor de las Cerezas es una parábola engañosamente sencilla de la condición humana, contada con un incomparable sentido poético y lírico.



Abyss

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mensajeMie 28 Feb, 2007 7:51 pm.

Tsai Ming Liang

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Otra incursión en el cine formalista. Tsai Ming Liang ha sacado del estátismo y el silencio una poética muy particular, con explosiones bizarras y toques kitsch. Cóctel explosivo que funciona como pocos. Su cine trata temas tan áridos como la incomunicación, la soledad, el deseo frustrado y el vacío existencial.

Rasgos: Cámara estática. Estilización, sobretodo en la composición de los planos. Escasez de diálogos. Comportamientos extraños de los personajes. Números musicales.

Influencias: Las principales, en la composición y la forma de encuadrar, me parecen Chantal Akerman y Oliveira, también Dreyer, pues influye a éstos, y en cierta medida Bresson. Por supuesto, esos tiempos muertos remiten al estilo de Antonioni.

Tres películas:

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"The Hole" cuenta la histoira de un agujero, o de las posibilidades comunicativas que abre al comunicar dos apartamentos en los que un hombre y una mujer, respectivamente, se refugian de una extraña enfermedad que convierte a las personas en una especie de cucarachas.

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"Goodbye, Dragon Inn" trata sobre un cine, uno de esos antiguos cines, superviviente, con los días contados. De hecho, es la historia de su última emisión, antes de cerrar para siempre, la mítica "Dragon Inn" de King Hu. Pero no sólo esto, en torno a la muerte del cine gravitan historias apenas esbozadas, tan decadentes como el ambiente que las rodea.

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"El sabor de la sandía" o la alienación del sexo. No es su mejor película, pero es la única que ha llegado, arrastrando bastante controversia, a España. La mayoría la detestan, otros pocos la adoran. Juzguen ustedes.


Bressoniano

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mensajeMie 28 Feb, 2007 7:52 pm.

Claire Denis

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De esta cineasta francesa se ha dicho con mucho acierto que es una poeta del cuerpo. En efecto, sus películas rebosan sensualidad en sus formas y en su manera de aproximarse a los volúmenes del cuerpo. Hablamos de un cine que sustituye la progresión narrativa por un festín de imagenes voluptuosas, que obligan a reformular el montaje y el espacio fílmico.

Rasgos: Fragmentación espacial y temporal. Montaje anárquico. Obsesión por el cuerpo. Intimismo. Amor y sexo.

Influencias: Godard, especialmente el de "Une femme mariée". El cine de Jim Jarmusch y Rivette. David Lynch.

Tres películas:

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"Vendredi Soir" es una película rematadamente romántica, ideal para nuestros días más edulcorados, los de "hoy me siento bien". Una mujer conoce durante un terrible atasco a un hombre, y establecen una relación apasionada, sí, pero con dudas que habrá que despejar. Yo le veo un aire a "Deseando amar" de Wong Kar Wai.

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"Trouble Every Day" se podría ver como gore de arte y ensayo, aunque la idea resulte a primera vista grotesca. En el fondo de todo, la frustración por no poder consumar un amor desmedido, la inmensa desesperación que esto puede causar en el alma de un hombre que adora a su mujer.

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"L´intrus" es la más abstracta, radical y mejor propuesta de Claire Denis. Sentidos que vienen y se van, narraciones que no se concretan, que se quedan en pequeñas islas dispersas, formando un paisaje puramente sensorial y críptico para nuestra razón.


Bressoniano

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mensajeMie 28 Feb, 2007 7:53 pm.

Hou Hsiao Hsien

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Cineasta historiador, su filmografía traza un recorrido paralelo al de la historia de Taiwan, a la que ha vuelto una y otra vez, tanto para explorar y comprender su pasado ("Flowers of Shangai") como para radiografiar su presente ("Millenium Mambo").

Rasgos: Fragmentación. Diálogo entre modernidad y posmodernidad. Distorsión y texturas en la imagen y sus efectos en la narración. Color. Historia de China y Taiwan. Burdeles. Discotecas y jóvenes desorientados.

Influencias: Su mayor influencia es la tradición china y también, porque no decirlo, comparte intereses y rasgos con Manoel de Oliveira. Otra de sus mayores influencias declaradas es Yasujiro Ozu.

Tres películas:

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"Millenium Mambo" tiene un comienzo que hipnotiza: la voz en off de la protagonista nos relata sus planes de futuro mientras corre por un puente y suena la música electrónica que ella misma escuchará durante toda la película. Vive con su novio, malgastando el dinero en continuas fiestas, incapaz de crear lazos afectivos. Ni siquiera las continuas discusiones parecen servir de catársis, como en Bergman o Pialat. Pero ya se sabe, aquí estamos en otra época.

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"Café Lumière" establece un diálogo cara a cara entre HHH y su maestro, Ozu. Más que homenaje, exploración, revisitación y reformulación. Diálogo, relaciones (los trenes sería el mejor ejemplo), que singularizan el tema central de la filmografía de Hou: la tensión entre la modernidad y la posmodernidad.

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"Tiempos de amor, juventud y libertad" indaga de manera más explícita en esta tensión permanente, mediante un juego de espejos entre tres historias: una, situada en los años 60, nos remite a Wong Kar Wai, y flojea en su fetichismo por no ser un auténtico Hou. La segunda nos remite a "Flowers of Shangai" y es otra indagación histórica con casa de señoritas de por medio, con la singularidad de estar rodada como los films mudos. La tercera es un apéndice de "Millenium Mambo". Es el Hou que menos me gusta, pero que yo sepa, el único que se ha estrenado, al menos en los últimos años.


Bressoniano

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mensajeMie 28 Feb, 2007 7:54 pm.

Christopher Nolan

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"El trabajo de Nolan está comúnmente basado en un tema emotivo o conceptual" (Memento) Otro de los temas que aborda en su pelicula son los personajes solitarios que tiene que afrontar sus propios problemas.( Batman Begins)

Mezcla sus magnificos guiones con una direccion y una fotografia bastante notables.

Rasgos: Muy meticuloso con los guiones ya que estan muy bien estructurados que hacen pensar al publico con giros argumentales y con trampas argumentales.

Influencias: influencias narrativas y estéticas de la nouvelle vague francesa.

Tres Películas:

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" Memento " es la película que le llevo a la fama, donde un investigador de seguros que sufre un problema de memoria intenta encontrar el asesino de su mujer. Esta pelicula contiene una estructura no lineal, lo que le hace muy atractiva ya que nos mete en la piel de una persona con perdida de memoria.

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Con " Batman Begins ", Nolan consigue que vuelva la esencia del batman de Tim Burton y de los viejos comics, con un muy oscuro murcielago y en el que su protagonista le hace frente al mismisimo Michael keaton quien interpreto magistralmente a ese John Wayne de Burton.

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" The Prestige " la ultima obra de Nolan hasta la fecha, muestra la maestria de este director al frente de la camara y del guion, con unos giros argumentales pero con un final, que no resulta tan truco como parecia (aunque no le quita tanta importancia a la pelicula ).


Ghost

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mensajeMie 28 Feb, 2007 7:55 pm.

Apichatpong Weerasethakul

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La última sensación del cine mundial, este joven cineasta y artista multidisciplinar (famosas son sus instalaciones de videoarte) nacido en Tailandia ha maravillado al mundo con sus cuatro primeras películas. Su obra, muy experimental y repleta de recovecos inesperados, se esfuerza por fundir la indagación formal con la cultura popular, el mito e incluso los placeres más terrenales. Sus películas más sonadas hasta el momento (a falta de conocer más sobre su último film, recién visto en algunos festivales como Venecia) "Blissfully yours" y "Tropical Malady" se parten en dos trozos, en cuyas segundas partes la jungla tailandesa se convierte en la auténtica protagonista. Es por tanto el cine de AW un cine de espacio y de recorridos, lo que le vincula con las últimas películas de Van Sant además de otras punteras de la actualidad como "Shara" (Naomi Kawase), "Old joy" (Kelly Reichardt) y la catalana "Honor de cavalleria" (Albert Serra).

Rasgos: Elevada duración del plano. Contemplación. Renuncia a la narración. Descripción de los ambientes, tanto urbanos como naturales. Fascinación por los entornos selváticos. Tensión amorosa. Mito y cultura popular.

Influencias: En la interacción del ser humano con el ambiente de que lo rodea, su máxima influencia es Antonioni, que rodó el milagro de hacer expresivo ese "estar en el mundo". Apichatpong lo traslada a la selva. Hay también influencias de Kiarostami (sobretodo en su primer trabajo) o - se dice - Jonas Mekas y Warhol. Yo incluso añadiría a Jean Renoir.

Tres películas:

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"Mysterious object at noon" rompe las distancias entre ficción y realidad. Aqui es donde la influencia de Kiarostami se hace más grande. En él, el director y su equipo animan a diversos lugareños a contar una historia, que irá mutando y en ocasiones, representándose por gente del lugar. Ficción, documental, realidad y cuento.

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"Blissfully yours" comienza en la consulta de un médico. Un joven tiene una extraña enfermedad que escama su piel. La espera se alarga. Después, un larguísimo travelling sigue al coche, mostrando el ambiente urbano. El coche llega a la selva, donde - a lo "Una partida de campo" de Jean Renoir - el joven y su amiga (o amante) van a pasar el dia. Los instintos sexuales nacen. Finaliza con un largo plano fijo del rostro dormido de la chica, hasta que despierta.

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"Tropical Malady" triunfó en Cannes. Para Cahiers, la mejor película del año. Y no es para menos, pues su perfecta estructura contiene imágenes de insuperable belleza (¿cómo olvidar el tigre sobre el arbol?). La primera parte nos relata una historia de amor homosexual entre un joven en paro y un soldado, más maduro. El soldado ama con profundidad al joven y le asalta la duda sobre si será un capricho pasajero del joven. Entonces, el film de parte y empieza otra película completamente nueva, en la que el mito sustituye a la historia real. ¿Nueva? En realidad, es la misma historia, la sociedad que mata los instintos y el amor, juego entre cazador y presa.


Bressoniano

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mensajeMie 28 Feb, 2007 7:56 pm.

Aleksandr Sokurov

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Decir Sokurov es casi como decir Tarkovski, exagerando un poco. Sokurov es su heredero más ortodoxo, y en él podemos encontrar prácticamente todas las constantes del cineasta ruso: los largos planos secuencia, la belleza iconoclasta (en un sentido literal del término, como sólo un ruso podría lograr), el misticismo religioso (parcial en Sokurov) y la fascinación por el tiempo; esculpir en el tiempo es hacer cine, escribió Tarkovski. El cine de Sokurov, como extensión del de Tarkovski, todavía es más hermético y críptico, y le reconozco ciertos problemas de empatía con el espectador. Los diálogos casi se susurran, sin un sentido muy claro, creando secuencias entre el onirismo y la alegoría. Además del intimismo de raíz religiosa ("Madre e hijo") ha enfocado su obra hacia intereses históricos, no sólo sobre Rusia ("El arca rusa") sino sobre los totalitarismos del siglo XX (la trilogía de los dictadores: "Moloch", "Taurus" y "Solntse"). Tiene una extensa faceta documentalista que desconozco.

Rasgos: Plano secuencia. Interés por captar el devenir del tiempo. Religión. Tenebrismo. Tratamiento pictórico de las imágenes: tanto en la puesta en escena (aplanamiento de las imágenes, a modo de iconos ortodoxos) como en el color (casi todas sus películas tienen un color verdoso muy poco natural). Hermetismo. Historia rusa y del siglo XX.

Influencias: Como se ha dicho, ante todo Tarkovski, del que se considera discípulo. También Dreyer y Bergman, e incluso cierta filosofía dostoievskiana sobre el dolor y el sacrificio (que entroncaría con el romanticismo y Schopenhauer). Syberberg.

Tres películas:

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"Moloch" relata unos días de estancia de Hitler, muy avanzada la segunda guerra mundial, en su residencia alpina de Nido del Águila, desde la perspectiva de su amante Eva Braun. Les acompañan algunos "barones" del nazismo como Göbbels y Bormann. Aparentemente no ocurre nada, más allá de una atmósfera muy enrarecida y determinadas extravagancias del Führer, que queda retratado en toda su mediocridad y mezquindad. Nada que ver con un biopic al uso, estilo "El hundimiento".

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"Taurus" es, hasta la fecha, la película que más me gusta de Sokurov. Retrata los últimos meses de vida de un Lenin enfermo, que contempla la decadencia de la revolución que él dirigió y como pierde su poder en manos de Stalin. A su alrededor la gente merodea como buitres, esperando ofrecer su cuerpo al pueblo, como símbolo. Pero sobretodo, la película cuenta la desesperación de un Lenin consciente de la pérdida de sus facultades intelectuales, abandonado a su desintegración física y mental.

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"El arca rusa" es quizá la película más conocida del cineasta ruso. Una auténtica pirueta, un tour de force con el plano secuencia, llevado hasta su máxima expresión: la película está filmada en un único plano secuencia de 96 min. por las diferentes estancias del Museo Hermitaje de San Petersburgo, en las que se representa la historia de la Rusia Imperial. Ideológicamente cuestionable en su reivindicación del zarismo como propio a la cultura rusa, equidistante tanto de Europa como de Asia, sin embargo merece verse por lo singular de su estructura y su barroquismo visual.


Bressoniano

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mensajeMie 28 Feb, 2007 7:57 pm.

Éric Rohmer

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[Se da un aire a Clint Eastwood, bueno al grano, xD]

Este peculiar director de la nouvelle vague con nombre de híbrido entre director Erich von Stroheim y escritor Sax Rohmer, fijó su panorama cinematográfico básicamente en la conducta humana, en principios y moralidad que hace vivir y padecer constantemente a gran parte de sus personajes. La obsesión y puntualización en el sexo también está candente en gran parte de su filmografía, no ya explicitamente, si más no exceptuando algún caso. Fetiche de los triangulos amorosos y un amante voyeur de las mentes humanas. Construye una línea atractiva de discurso y debate entre sus pilares, -las personas- consiguiendo desviar la mirada del más estricto esteta.

Rasgos: Le encantan los planos maestros dónde pueda vigilar y controlar las acciones de todos sus personajes, más el lugar en dónde abordan y profundizan en sus extensas conversaciones, a ello y de la mano le acompañan los planos paralelos, empleados en mitad de la tertulia para enfocar acción-reacción en cada rostro de los oyentes contrastandolo con el interlocutor. Los conflictos personales e íntimos de todos sus personajes. El tratamiento filosofico de vida en distintas posturas.

Tres películas:

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"Mi Noche con Maud", cuenta la historia de un hombre católico, firme en principios y reacio a poder considerar otras opciones en su vida, da con un viejo amigo, éste profesor de filosofía con clara diferenciación y contraposición a sus ideas, a su misma vez éste último hará de puente para que le presente una amiga -Maud- al firme católico. En su presentación transcurrirá una velada cargada de pruebas mordaces en forma de palabra y mirada entre este curioso triangulo, pues Maud pondrá la nota discordante entre ambos mostrando que la neutralidad es una opción válida e igualmente moral sin necesidad de elimianr principios, pues ese cuenta como uno de ellos y hace desmoronar gran parte de la radicalización de uno y de otro. A raiz de esa noche, Jean el hombre católico, considerará sus principios y probará si son realmente firmes o ficticios.

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"La Coleccionista", puede que de las que he tenido oportunidad de ver, la más compleja. Aborda básicamente la huída y desconexión de Adrien, propietario de una galería de arte, ante la situación delicada que pasa con su pareja Jenny, pues ésta le hace padecer un engaño amoroso. Adrien decide aislarse por completo y no hacer absolutamente nada - cuando digo nada, es nada, dejar su mente totalmente hueca o conseguir llegar a ese punto- a una casa rural que habita un pintor conceptual algo peculiar y que esporadicamente visita el pilar más fuerte de esta historia, Haydée, una atractiva chica con un éxito abrumador entre los chicos. Hay dos divisiones bien marcadas entre el descanso y paz que ruegan los dos hombres a la chica y la indiferencia que Haydée presenta ante ellos, ese mismo comportamiento desencajará entre el pintor y el "experto" en arte, más en este último obsesionándose en el claro presentimiento de que la indiferencia de Haydée es una treta para seducirlo, gran parte dle largometraje se construye ante la idea de Adrien de poder añadir a Haydée, de forma metáforica, a su personal colección de arte. Lo que no sabe Adrien es que él podría ser la pieza de arte añadida.

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"Pauline en la Playa" nos cuenta la historia de dos primas, Pauline de 15 años y Marion que se van a veranear en un apartamento que hay en la costa atlántica. Marion se encuentra con un viejo amigo llamado Pierre, el cual está totalmente obsesionado por ella, siente una fuerte atracción a su persona, más cargada de nostalgia que de otra cosa - todo hay que decirlo, xD-. A pesar de ello, Marion le es indiferente y cargante cuando conoce a Henri, un hombre algo más intrépido y con posiciones poco honestas pero atractivas para Marion. En otra parte del largometraje tenemos a Pauline, que se inmiscuye intermitentemente en alguna conversación entre los "adultos", dejándolos a éstos en evidencia ante su experiencia por su supuesta "madurez". Al tiempo mantiene un romance extraño e interesante con un chico, Sylvain. En resumen, el argumento parecería estar sacado de una telenovela amorosa con enredos irrisorios, pero el tema no trata por esos derroteros sino más bien entre el contraste de los romances entre adultos y el que vive con naturalidad y clara sinceridad Pauline, que a su vez se hace más enriquecedora e interesante pasando el resto a segundo plano. Pauline es el eje que mueve y saca lo no mostrado por cada adulto. Sin quererlo es es una psicóloga estupenda.


Syren

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mensajeMie 28 Feb, 2007 7:58 pm.

Michael Haneke

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La obra de Haneke, a la que frecuentemente se ha calificado como provocadora (un adjetivo no del todo adecuado) busca una reacción intelectual del espectador por medio de cierta implicación morbosa con un determinado desarrollo entorno a situaciones chocantes o desagradables. Haneke fuerza un efecto de oposición dialéctico entre mecanismos de distanciamiento emocionales (elipsis casi siempre) por un lado, y escenas y comportamientos perturbadores que generan inquietud en el espectador por el otro; de esta manera se establece un diálogo entre emoción y análisis a través de la Forma. Parece que busca generarla para después inhibirla, haciendo sentirse culpable al espectador: y es éste precisamente el efecto deseado por el austriaco.
Haneke se vale de lo que Noël Burch define - hablando de una película de Franju, pero nos sirve aquí- en su Praxis del cine como un intento de hacer desempeñar a la agresión un papel de componente estructural. Dice:
"En ciertas palabras (...) nos hallamos innegablemente ante una dialéctica casi-musical de tensiones y de relajaciones, actualizada por rebasamientos más o menos cercanos, más o menos elevados, del umbral del dolor.
(...) Percibimos la belleza de las estructuras rítmicas a través de la angustia provocada por una agresión de muy distinto orden. "
Su cine además, sobretodo en los comienzos, ha tenido pretensiones materialistas muy cercanas al marxismo. Ahora que ha hecho para Hollywood un remake de una película propia, un hecho contradictorio con su ideología y trayectoria, tendremos que ver si podemos contar con él para el futuro.

Rasgos: Plano estático que dilata el tempo, muy efecto en momentos agonísticos. Encuadre cerrado. El fuera de campo como elemento estructural. Tensión. Tratamiento de la violencia, normalmente de forma elíptica. Interés por los recursos metalingüísticos. Aridez narrativa.

Influencias: Muy evidente la de Robert Bresson. También Antonioni, Franju, Hiroshi Teshigahara o Hitchcock. La obra de Elfriede Jelinek, no sólo temáticamente, sino por lo seco y cortante de su estilo.

Tres películas:

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"Funny games" quizá sea, junto con "La pianista" y "Caché", su película más conocida. Se puede entender como una disertación alrededor de la violencia en nuestra sociedad; y como cineasta en particular, una investigación sobre los códigos de representación la violencia. Así, el propio asesino nos interpela a continuar sentados viendo la película o rebobina la cinta parodiando y destrozando los mecanismos del thriller, género que esta película pretende desnudar como denuncia a su violencia apta para el consumo.

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"El tiempo del lobo" es un caso singular: una película apocalíptica en la que no ocurre casi nada, progresa de tiempo muerto en tiempo muerto, con alguna explosión de violencia de por medio; y sin embargo, el caos y la hostilidad generan una tensión latente durante todo el film. Puede ser la película de Haneke que mejor maneja el fuera de campo después de la fundamental "El séptimo continente", sobre la que no hablo por ser de finales de los 80 (prefiero restringirme al panorama en los últimos 10 años).

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"Caché" supone una pequeña decepción, pues termina siendo algo autocomplaciente. Se rueda en formato digital porque la película trata de la confusión entre realidad e imágenes de la realidad producto de la manipulación de los medios, y de cómo éstas ocultan lo que nadie quiere recordar o saber (y aquí entronca, paralelo, con el problema de la memoria y el sentimiento de culpa del protagonista). No se distingue entre unas y otras, no vemos la diferencia entre las cintas de vídeo y las imágenes "reales", pero la película fragmenta esa supuesta unidad, da ejemplo de los hechos que ocultamos, y se pregunta cómo afectan a las sociedades post-capitalistas (y a sus individuos en concreto).


Bressoniano

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En la plenitud de mi fuerza me gozo en su miseria y deshonor
 

 

mensajeMie 28 Feb, 2007 9:09 pm.

Víctor Erice

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Rasgos: Todas las películas de Víctor Erice presentan microcosmos en los que las relaciones personales se entrelazan de manera que las historias trascienden la realidad concreta y se elevan en metáforas muy poderosas sobre la condición humana.

Influencias: Aki Kaurismaki, Jean-Luc Godard, Bernardo Bertolucci, Wim Wenders,Wong Kar-Wai, Abbas Kiarostami, entre otros…

Tres películas:
El espíritu de la colmena,1973
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El espíritu de la colmena atraviesa la dura posguerra española tomando la anécdota de la llegada del cine a un perdido pueblo castellano. El punto de vista de dos niñas muy pequeñas fascinadas por una película de terror, mezclando fantasía y realidad, creyendo ver pistas del monstruo cinematográfico en su pueblo, donde el padre trata de iniciarlas a la vida, y en un marco donde el miedo y la represión están latentes, marcan esta fascinante película.

El sur, 1983
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¿Qué es el Sur? ¿Qué extraña incógnita contiene en sí mismo? ¿Qué poderoso influjo arrastra hacia él, como un gigantesco imán pasional y vehemente? ¿Dónde se encuentra el Sur?Quizá sea el Sur la historia secreta de Agustín, o el itinerario emprendido por Estrella hacia el mañana, o esa bocanada de aire limpio y hermoso que trae Milagros, o ese oasis cálido tan lejano de "La Gaviota"; tal vez el Sur es ese lugar bajo cuya claridad será posible reconstruir la memoria y viajar al pasado para entender mejor qué hubo en él.
En cualquier caso, El Sur de Víctor Erice sí es un fascinante paraíso cinematográfico, al que ha sabido dar forma siguiendo un lirismo inspirador, un preciso sentido del relato elíptico, un sutil entendimiento del quebranto cotidiano, y una hermosa intuición para retratar la luz y la vida.
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El Sol del Membrillo,1992
Cita:
El sol del membrillo es el que luce en los primeros días del otoño, cuando los frutos de los membrilleros comienzan a madurar.

La idea que sustenta este proyecto cinematográfico tan insólito es muy sencilla. Consiste, sobre todo, en la captación de un acontecimiento real: la pintura y el dibujo de un árbol.
La película ofrece pronta respuesta a estas demandas: el artista se llama Antonio López, y pinta con un estilo que, basado en la exactitud, puede denominarse realista un membrillero que ha plantado en su jardín.
Pero lo hace, y éste es un detalle fundamental, ante un equipo de cine, provisto de una cámara y un magnetófono, que trata de recoger las imágenes y los sonidos de este suceso.
Es así como, en este caso, la pintura y el cine entran en relación.

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Una relación que aquí supone la renuncia explícita a cualquier forma previa de fabulación y dramaturgia, incluso a la que podría elaborarse a partir de los datos más significativos de una biografía. Pero que, además, igualmente prescinde del ejemplo, ya tradicional, que constituyen los denominados documentales de Arte; es decir, aquellas películas que utilizan la obra pictórica para los fines de una síntesis cinematográfica.


Abyss

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En la plenitud de mi fuerza me gozo en su miseria y deshonor
 

 

mensajeMie 28 Feb, 2007 10:19 pm.

Takashi Miike

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Rasgos:
Se trata de uno de los directores que más ríos de tinta ha levantado en los últimos años, de forma casi meteórica ha calado en la subcultura cinéfaga convirtiéndose en un director de culto y al mismo tiempo en un célebre personaje que sobrevive a sus propios trabajos.

Sus películas han rayado en más de una ocasión el esperpento, lo macabro y la controversia; trabajando con presupuestos ínfimos en películas directas a vídeo y a un ritmo vertiginoso de 3 a 5 películas anuales.

Influencias:
Cito unas palabras suyas sobre este tema

No tengo unas influencias concretas, pues todo me influye: telefilmes, anuncios, manga... todo lo que veo y siento en la vida cotidiana acaba por influirme, a mi y a mis películas. Lo que quiero decir es que viendo una película no suelo aprender nada para hacer mis películas: aunque no haya visto nunca una película sobre bailarinas, sería capaz de hacerla. Lo único que puedo asegurar es que empecé a interesarme por el cine a través de las películas de Bruce Lee, sin él, no hubiera desarrollado mayor interés por el cine.

Tres películas:

Ichi the Killer (2001)

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Adaptación de un cómic sobre un despiadado y sanguinario asesino al que se obsesiona con dar caza un estrafalario y descerebrado yakuza. Con las sombras del neo-punk y ayudado por casquería de la fina al más puro estilo Olaf Ittenbach, Miike nos esconde también el drama del diferente, del atormentado y del rechazado por la sociedad, cuyo maltrato se ha vuelto contra esta. No apta para estómagos sensibles.

Audition (2002)


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Extraña e inquietante mezcla de géneros (comedia-terror), en la historia de un viudo al que un amigo convence para montar un casting y ayudarle así a encontrar una nueva esposa.
Su estructura es extraña: los primeros 40-50 minutos pasan sin pena ni gloria. En el último tercio de película la descarga de horror y adrenalina es brutal

Bird people of China (1998)

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Para acabar elijo una peli más personal y menos conocida. Mostrando su espíritu ecléctico Miike nos regala una historia tierna y espiritual sobre la búsqueda de la felicidad, sobre la relatividad de los valores de las sociedades. Salen yakuzas, claro está, pero es una cinta diferente.


Dr.Benway

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En la plenitud de mi fuerza me gozo en su miseria y deshonor
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