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El panorama cinematográfico en la actualidad

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mensajeJue 01 Mar, 2007 10:31 pm.

David Lynch

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Preferiría suicidarme a hacer una película en la que yo no tenga la última palabra sobre el resultado final. Yo empecé como pintor, en la escuela de Bellas Artes, pero un día estaba delante de un cuadro y me pareció ver que algo se movía en él. Desde entonces intento combinar sonido e imágenes de la mejor manera posible.

Rasgos

Su cine en cuanto a contenido suele tener momentos oníricos o serlo completamente, en algunos casos no llegamos a salir nunca de la subjetividad de sus personajes, suele poseer intriga, desdoblamientos de personalidad, personajes irreales que corresponden a rasgos de personalidad de los reales, simbolismo, metáfora, crítica mediante la farsa, contraste entre lo idílico y lo tenebroso, y suele jugar con los géneros y los tópicos llevándolos a su terreno y retorciéndolos.

En cuanto a la forma, posee una narración donde abundan los planos subjetivos, suele hacer un uso bastante habitual de fundidos y encadenados, juega con la iluminación, utiliza la música para transformar el sentido habitual de muchas escenas, y emplea efectos de sonido para acabar de moldear sus atmósferas, así como para realzar momentos desconcertantes, lo que sumado a su estilo estético y a su interés por lo esotérico le acerca muchas veces al género de las películas de terror.

Influencias

Al contrario que la gran mayoría de cineastas, Lynch empieza a hacer obras audiovisuales escasamente influenciado por otros directores de cine, sus rasgos tienen sus cimientos en la imagen estática, se suele nombrar gente como Francis Bacon, Edward Hooper, Magruitte, o Duchamp.

Tres películas...

BLUE VELVET

Una oreja, una canción, y terciopelo azul. Un recorrido desde un mundo exageradamente idílico hasta una realidad tenebrosa, absurda, y terrible.

LOST HIGHWAY

Un título, una canción, y una carretera que no lleva a ninguna parte. La fantástica incursión de Lynch en las estructuras retorcidas que lejos de quedar cerrarse o quedar abiertas prefieren formar algo sin sentido.

INLAND EMPIRE

Un viaje frente a una pantalla de posibles realidades, de sueños, miedos, y esperanzas. La más autoreferencial y densa de sus películas, llegando incluso a la autoparodia. Además de ser una de las incursiones en el formato digital más logradas de los últimos años.


Amon Göth

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mensajeVie 02 Mar, 2007 12:48 am.

Wong Kar Wai

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Quizá uno de los directores orientales más internacionales y famosos de la actualidad, Wong Kar Wai se dio a conocer mundialmente gracias al éxito de "In the mood for love" y "2046", dos películas que suponen de momento la cumbre y la depuración estilística de su cine, un cine que habla del tiempo como factor nostálgico, de recuerdos y fantasmas pasados, de personajes solitarios y aislados que buscan no serlo... un cineasta de pasiones y turbulencias, de miradas, gestos, detalles y sentimientos que quedan inexpresados, de gente que desea amar y ser amada.

Rasgos:
Posiblemente su estilo sea totalmente contrapuesto al de otros directores orientales contemporáneos, como Kim Ki-duk o Tsai Ming-liang. En su cine abunda el artificio, la cámara en mano, la saturación de colores vivos, las ralentizaciones, las estéticas urbanas barrocas y al mismo tiempo modernas, el desenfoque, la estilización de formas y ambientes. Pero en medio de todo ese ajetreo de formas y recursos también hay cabida para los silencios y las tomas solemnes. Sus películas parecen teñidas, tamizadas de una estética que recoge las formas modernas imperantes pero sin perder un ápice de su propia personalidad.

Influencias:
Innumerables, desde el cine de Scorsese hasta la cultura pop, pasando por algunas influencias latinas (el uso de boleros en algunas de sus películas, las formas de algunos escritores como Manuel Puig), el cine de Fassbinder y Truffaut, el noir, el videoclip moderno, incluso reminiscencias al cine de Ozu en sus últimas películas.

Tres películas:

"Chungking express"

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Se podría decir que en esta película el protagonismo absoluto es la concepción del tiempo, más que las historias de amor o los personajes. Compuesta de dos historias distintas, en la primera, un policía inmerso en la rutina acaba por enamorarse de una misteriosa mujer que viste gabardina y gafas de sol las 24 horas del día. Mientras para el primero la vacuidad de sus días le crea la necesidad de invertir su tiempo en algo que le mantenga ocupado, para la segunda, el tiempo es algo que escasea debido a su frenética actividad (incluso su atuendo está preparado para cualquier contratiempo meteorológico tanto para si hace sol como si llueve). En la segunda historia se ofrece una nueva perspectiva temporal. Si el policía y la mujer vivían a remolque uno y a la deriva la otra, el nuevo policía y la camarera constituyen el ejemplo perfecto de cómo vivir la desincronización del tiempo presente: uno anclado al pasado y al recuerdo se resiste con uñas y dientes a cualquier perspectiva de cambio; la otra, despreocupada del tiempo actual y con la vista puesta en los cambios y el futuro. "Chungking express", bajo la apriencia de dos historias de amor, no sólo habla de las relaciones sentimentales, también habla del tiempo, pasado, presente y futuro, del recuerdo, del cambio sentimental, de los sueños, de la rutina, del aburrimiento, de la renuncia personal a un objetivo, de heridas incurables a las que sólo existe una cura posible... tiempo.


"Deseando amar"

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Contención amorosa, pasión desenfrenada, deseos no materializados, personajes misteriosos y solitarios. Cualquiera de estas definiciones podría servir para hacerse una idea de los contenidos de "Deseando amar", a pesar de que algunas puedan parecer a simple vista contradictorias. Dos personas casadas y que sufren las infidelidades de sus respectivas parejas coincidirán en una casa habitacional, donde compartirán sus desengaños amorosos y su soledad hasta que se darán cuenta de que la relación que mantienen es la vívida imagen de lo que sus respectivos matrimonios debieran ser y no son.


"2046"

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Película que es al mismo tiempo complemento y contraposición de "Deseando amar". Aquí se expone la otra cara de la moneda, la materialización pletórica y sensual de las pasiones de los personajes, dejando de lado el deseo único y recurrente de aquélla para dar paso a toda una montaña rusa de sensaciones, arrebatos y sufrimientos que constituyen un asombroso fresco donde tienen cabida prácticamente todas las obsesiones de su director: la soledad, el desamor, el poder de lo efímero, los fantasmas pasados, el recuerdo imperecedero, la levedad del deseo...


Tar-Calion

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mensajeVie 02 Mar, 2007 9:50 pm.

Wes Anderson

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Wes Anderson se ha convertido en una de las figuras más destacadas de la última ola del cine indie (sí, ese cine que en general tanto detesto, pero hay excepciones), con una corta pero - a mi juicio - brillante y original filmografía. Hablar de su cine es hablar ante todo del retrato desenfandado, cómico y artificioso del genio, y sobretodo, obsesivamente fetichista: a los personajes se les define por su entorno, entendiendo éste como los objetos que les rodean. Sus películas tienen un humor muy peculiar, con el que o se conecta desde el primer momento, o puede resultar lejano, demasiado elaborado (como un Tati, por ejemplo). También destacan por su imaginario y situaciones de estética naïf, de hecho, giran alrededor de éste, auténtico protagonista.

Rasgos: Composición frontal, osea, planos medios frontales a los personajes (y este es para mí el principal descubrimiento de su cine, pues esa mise en scène no remite a nadie, sólo he visto a Oliveira colocar así a los personajes) . Fragmentación narrativa: sus películas se estructuran por capítulos. Mezcla de géneros y formatos (fotografías integradas, representaciones teatrales, videos, primeros planos de objetos desligados de la narración, letreros indicativos). Interés por la superdotación, genialidad y talento, especialmente las frustraciones y la inadaptación que general, pero también su lado más cool, tratado de manera desnaturalizada. Familias desestructuradas.

Influencias: La literatura de Salinger y Scott Fitzgerald. Richard Linklater y el Tati de "Playtime" sobretodo. El pop-art. El primer Godard. Videoclip (me recuerda a veces a los geniales videoclips de los Beastie boys). Jacques Cousteau. Woody Allen. Matt Groening.


Tres películas:

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"Academia Rushmore" puede verse como una teen movie, pero rarísima. Vuela todas las convenciones para mostrar la vida de un estudiante embebido por las actividades extraescolares, tanto que se despreocupa por sus estudios propiamente dichos. Se enamora de una profesora por la que competirá con Bill Murray, de manera bastante surrealista. Para colmo le expulsan de su elitista colegio; su vida y pasión por cierto. A partir de ahí empieza la odisea.

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"The Royal Tenembaums" no sólo es película más lograda de Anderson, sino para el que esto escribe, la mejor comedia en lo que llevamos de siglo. ¿Qué son los Tenenbaums? Los personajes de esta magnífica, colorida, nostálgica y entrañable peli que revisa la vida y circunstancias de una familia singular: todos son una suerte de genios fracasados y frustrados, y sin embargo devienen en seres de lo más cool y atractivo. Seres decadentes que fascinan por la entereza y singularidad que les confieren las huellas de un talento que alguna vez estuvo ahí, que debe permanecer latente, a la espera de una nueva oportunidad. “The Royal Tenenbaums” habla de cómo ésas oportunidades redimen nuestra vida.

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"Life aquatic" nace como homenaje a uno de los ídolos de su niñez, Jacques Cousteau. La más ecléctica e inclasificable de sus películas, también la más barroca (a veces se resiente de un exceso de recursos), "Life aquatic" da un paso más en el juego de géneros y formatos presente ya en sus predecesoras. Al terminar, uno no sabe si ha visto una comedia o un drama, pues el film destila humor y melancolía a partes iguales. Pero ese es el personalísimo cine de Wes Anderson.


Bressoniano

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mensajeVie 02 Mar, 2007 11:18 pm.

Kim Ki-duk

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Comenzando su carrera a la relativamente tardía edad de 33 años como guionista y director sin formación técnica como cineasta se ha convertido en un autor de una docena de obras a veces altamente experimentales con las que se ha ganado unos seguidores bastantes fieles. Es distintivo el ritmo pausado de su cine, el fuerte contenido visual muchas veces cruento, el parsimonioso uso del diálogo y el énfasis en elementos criminales o marginales de la sociedad asiática. Director sólido, profundo, dueño de una visión del mundo, de un universo en que se mezclan en dosis justas la violencia e impavidez de la naturaleza, la angustia ante la soledad, la necesidad de amor, el valor del sacrificio, el aprendizaje a través del dolor o la iluminación en el martirio son elementos que dan una idea del atractivo que tiene su mejor cine, de la profundidad que este puede llegar a alcanzar.

Rasgos: No se puede considerar el cine del realizador surcoreano como de metalingüístico —de hecho, su film más brechtiano sería Primavera... , y no por ello ejerce reflexión alguna sobre el lenguaje fílmico—, porque al fin y al cabo el manierismo del realizador de La isla está centrado en la narración de historias; sin embargo su cine sí es un perfecto ejemplo de un cine expresionista que utiliza paradojas y trucajes argumentales para dar a conocer la filosofía detrás de la historia, la expresión a través de la anécdota.

Influencias: Los Amantes del puente nuevo (Les Amants du Pont-Neuf) de Leos Carax,; El amante (L’Amant) de Jean Jacques Annaud, y El silencio de los inocentes (The Silence of the Lambs) de Jonathan Demme, aunque las ganas de contar la vida con sus palabras y con personas como él fueron su mayor fuente de inspiración.

Tres películas:

Hierro 3
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Sensibilidad y escaso diálogo se unen en este filme considerado para sus más fieles seguidores como la mejor de sus peliculas, para culminar con finales altamente impactantes. Metafora visual para algunos combinado con una historia cuanto menos inusual hacen de Hierro 3 una pelicula para recordar. Realmente estamos ante una de esas historias de amor universales, en el sentido clásico del término, destaca sobre todo por su originalísima forma de tratar un tema tan manido con una relación basada en el silencio, las miradas y los gestos.


La Isla
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El dramático amor pronto se transforma en obsesión, y en una ira que nos sorprende. Como es habitual en sus peliculas el diálogo brilla por su ausencia. Las imagenes, los paisajes, las situaciones, lo cuentan prácticamente todo sin tener que hacer uso de la palabra, es el lenguaje visual el que nos narra secuencia a secuencia que sucede en la vida de los protagonistas.
La Isla sirve, a través del inusual y al final conmovedor acercamiento de ambos personajes, como una representación, en el nivel más básico y violento posible, de la necesidad de amor y de la cercanía del otro, de la dificultad del perdón y del peso de la culpa. Todo esto en el escenario hermosamente impávido del lago, de la niebla que cae sobre las casetas flotantes, frágiles construcciones de colores vivos.

Samaritan girl
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Dividida en tres capítulos que coinciden con los distintos giros que toma el relato, su engañosa primera media hora parece una invitación a tirar la toalla: repele cualquier intento de lógica, empatía o credibilidad al ir presentando, a trompicones, los absurdos comportamientos de unos personajes a los que no hay por donde coger. Poco a poco el ritmo aunque pausado, va introduciendonos en el mundo oscuro y claro de los personajes tan alejados del publico como cercanos por sus actos e incluso amenudo incomprensibles. El sacrificio, el amor paternal, el dolor y el placer, la visión infantil de un padre hacia su hija, el descubrimiento doloroso de la verdad y los toques violentos forman una pelicula que va desarrollandose y engrandeciendose en su avance.


Nadsat

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mensajeDom 04 Mar, 2007 1:33 pm.

Julio Medem

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Nacido en San Sebastián, su pasión por el cine se forjó en su juventud junto a una cámara Super 8 mm con la que grababa junto a su hermana. Apasionado, además, en el interés de la mente y el subconsciente humano, se interesó por los estudios de Psiquiatría, y finalmente ha plasmado esas inquietudes a lo largo de toda su filmografía. Aunque afirma no buscar crear estilo, su cine tiene gran personalidad y en media docena de películas ha logrado crear un universo propio, onírico y fascinante, plagado de simbolismo.

Rasgos: Los misterios de la mente humana, las casualidades, la naturaleza y los animales, el amor y la huída... Repetición de situaciones a lo largo de las películas. Simbolismo y surrealismo.

Influencias: El espíritu de la colmena de Victor Erice y Arrebato de Iván Zulueta. Destaca a directores como Andrei Tarkovski, Akira Kurosawa y Yasujiro Ozu. Siente un gran interés por la obra de Ingmar Bergman y reconoce su gusto por Fellini, Pier Paolo Pasolini y la Nouvelle Vague.

Tres películas:

Los amantes del Círculo Polar. Trata sobre las vidas de Ana y Otto, dos niños de ocho años que un día se conocen a la salida del colegio. En ese mismo momento nacerá una historia de amor secreta que se cerrará diecisiete años después en el Círculo Polar Ártico. Cuenta con una estructura capicúa, como los nombres de sus protagonistas, y los puntos de vista de ambos se alternan para narrar la historia.

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La Ardilla Roja. En una noche de verano Jota intenta suicidarse arrojándose al mar. En ese momento ve caer en la arena de la playa a una chica que ha tenido un accidente de moto. A consecuencia del golpe la joven sufre una amnesia total, no recuerda ni su nombre. Jota, aprovechándose de esta situación, le hace creer a la chica que se llama Lisa y que es su novia desde hace cuatro años. Tras escapar del hospital la pareja se retira a un camping llamado La ardilla roja. Allí Lisa intentará recuperar su memoria y Jota procurará por todos los medios que nadie descubra su embuste.

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Vacas. Narra las tres generaciones de dos familias que mantienen una fuerte rivalidad marcada por la violencia y las pasiones más viscerales. Comienza en una trinchera carlista, durante 1875 y termina con el comienzo de la Guerra Civil española. Las vacas, como su título indica, son unas de las protagonistas.

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Auryn

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mensajeDom 04 Mar, 2007 11:05 pm.

Quentin Tarantino


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Nació el 27 de marzo de 1963 en Knoxville, Tennessee (Estados Unidos). Se ha convertido en un icono del cine independiente por méritos propios. Arrastra legiones de fans gracias a su particular estilo.

Rasgos

Sus diálogos; aparentemente banales pero llenos de significado si se sabe ver más allá de lo obvio, sus historias y la estructura de estas; enrevesadas y entrelazadas entre sí; con contínuos flashbacks, sus personajes; entrañables y carismáticos a la par que malhablados, violentos y de compañía poco recomendable.
Los amantes del cine violento han encontrado también en Tarantino un nuevo compañero de aventuras y desventuras.

Influencias


No me imagino a Tarantino inspirándose en Truffaut o Bergman, Tarantino es una criatura de videoclub; sus influencias pasan por el cine de acción, las películas de artes marciales de los 70, las historias de policías y gansters, los cómics, la música rock... todo lo que concierne al consumo pulp de los últimos 30 años en los estados unidos.

Tres películas

Reservoir Dogs (1992)

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Su ópera prima ha sido durante mucho tiempo la favorita de sus fans. Tal vez por su escaso presupuesto, tal vez por su imaginación o por su sencillez. La historia de estos atracadores nos deja ver un Tarantino embrionario y salvaje. Ya nos deleita con algún diálogo que se ha quedado en la retina del personal (como el de Madonna), y se reserva algunas sorpresas productos del descaro de un director novel, como un final abierto y una escena terrorífica, rayando el gore.
Con su primer trabajo Quentin consiguió llegar al público más joven e irrevenrente y dejar algunos rasgos en la cultura cinéfaga popular. Pero lo mejor estaba por llegar.

Pulp Fiction (1994)

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Se ha escrito y dicho tanto de Pulp Fiction que es difícil no caminar un camino ya transitado. Aparte de lo que todos ya conocen, de como se ha convertido esta película en un referente y de como ha pasado a formar parte de la iconografía de occidente; quisiera dejar ese hecho aparte para centrarme en dos actores: John Travolta y su recuperación para el cine (antes de esta película estaba denostado), y el descubrimiento de una gata montesa de exótica belleza y enorme talento llamada Uma Thurman, y sus pies. Tarantino es un fetichista de los pies.
Quentin vuelve a insistir en el mafioso que filosofa, esta vez con más ahínco y la jugada le sale bien. Sus diálogos son repetidos por multitud de fans, entre los que servidor se incluye.

Kill Bill

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Tras unos años de silencio y cuando muchos pensaban que su estrella se apagó Tarantino volvió con una espectacular cinta de homenaje a sus queridas películas de chinos dándose tortas y se dio el lujo de trabajar con uno de sus ídolos: David Carradine.
Tras los atisbos de madurez del director con Jackie Brown, Quentin se sacó de la manga un cambio de registro. En lugar de centrarse tanto en el aspecto estructural del guión o en una historia sorprendente, zanjó ese aspecto proponiendo una sangrienta y espectacular vendetta, para centrar sus esfuerzos en el aspecto estético y tributario a sus ídolos de juventud.
Ciertamente consigue dejar satisfechos a gran parte de sus fans que no apreciaron o no entendieron (según se mire) Jackie Brown, a la par que ha ganado nuevas generaciones de fans admirados con la espectacular Uma Thurman con el chándal de Bruce Lee en Operación Dragón masacrando yakuzas con una katana. La gran paradoja que ofrece esta película es que Tarantino ha pasado de ser un director maldito y denostado por muchos a ser un director en cierto modo "cool", Tarantino está de moda; eso es algo que a muchos de sus antiguos fans les inquieta. Tendremos a Quentin por muchos años, ya lo verán.


Dr.Benway

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mensajeLun 05 Mar, 2007 8:39 pm.

Philippe Garrel

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Hablar de Philippe Garrel como un cineasta de actualidad no sería demasiado exacto, pero tampoco estaríamos patinando. Si bien Garrel pertenece a la llamada generación post-nouvelle vague, junto con otros nombres ilustres como Eustache, Akerman y Pialat, también hay que reconocer que su carrera en los últimos años (desde principios de los noventa aproximadamente) ha dado un giro notable respecto a su primera obra "generacional". Sus pelis, que en los 70 y 80 (rodadas con Nico - la inolvidable y extraña cantante, tanto con los Velvet como de solista - de protagonista, entonces su pareja) eran experimentales hasta el extremo, han derivado en un minimalismo muy íntimo, incluso en exorcismo autobiográfico.

Rasgos: El blanco y negro. Primeros planos de rostros y manos, caricias. La tenue y melancólica presencia del piano en la banda sonora. Los paseos por París. Las frases a medio acabar, especialmente en momentos íntimos. El amor y el recuerdo. El silencio. La droga. La renuncia a la utopía revolucionaria. Coherencia e integridad personal. La relación entre el cine y su vida.

Influencias: La principal influencia en Garrel actual vendría dada por un lado por un cineasta tan breve pero intenso como Jean Eustache; y por el otro, los encuadres y el gusto por el silencio de Robert Bresson. Pero la mayor influencia en su cine han sido sus propias vivencias.

Tres películas:

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"El nacimiento del amor" trata sobre los amores y emociones de dos hombres maduros, interpretados por Lou Castel y Jean-Pierre Léaud. Su soledad, su frustración e inseguridades, su deambular por un mundo que ya no es suyo, que pudo pertenecerles pero se les escapó, no es más que un reflejo del propio Garrel, cineasta maduro.

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"Salvaje inocencia" es una historia sobre la droga, sobre su poder de destrucción. Pero también es la historia de un director, en clara referencia a Garrel, que pretende hacer un film sobre el peligro de ésta. La película estará basada en su experiencia: la droga echó a perder la vida del amor de su juventud (hechos basados, obviamente, en la propia vida de Garrel, y que se refieren a Nico). Y sin embargo, para dirigir su alegato, únicamente puede contar con la financiación de un traficante, que implicará a su actual pareja.

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"Les amants réguliers" es hasta ahora su película más perfecta. Deberían condenar a muerte a los dueños de las distribuidoras españolas por no exhibir en nuestros cines este film tan bello y doloroso. La película, en diálogo directo con "La maman et la putain", y que dice Jose Luís Guerín en los extras de "Lancelot du Lac" que es de las dos o tres películas que mejor recogen la herencia de Bresson, trata sobre la revolución del 68, para pasar enseguida al vacío nihilista posterior a su fracaso. Al grupo protagonista, jóvenes que conviven en una casa, sólo les quedan las drogas y sus propios sentimientos. El descubrimiento del amor puro parece el único ideal al que aferrarse, aunque entrará en pugna con la libertad y la monotonía.


Bressoniano

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mensajeMie 14 Mar, 2007 4:21 pm.

Sam Mendes

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Ex alumno de la Universidad de Cambridge y director teatral para la Royal Shakespeare Company. Realizó para la televisión las obras musicales Cabaret (1993) y Company (1996). El éxito de la primera obra musical fue la que le catapultó a realizar películas para la compañía Dreamworks.

Rasgos: Aprovechar su experiencia teatral con los actores para exprimirlos y conseguir el perfil que necesita obtener de ellos. Una obsesión por obtener una puesta en escena preciosista y adecuada para la historia en cuestión (fotografía, luz, sombreado, color, etc...). Montaje de secuencias planificadas al son de una canción o de la partitura original del score musical. Un constante cambio de registro.

Influencias: Cineastas americanos interesados en explicar historias basadas en la sociedad americana como Peter Bogdanovich o Mike Nichols. Cineastas interesados en historias basadas principalmente en personajes como Elia Kazan o Clint Eastwood (del que hereda una visión escénica similar)
Tiene una fuerte influencia de Martín Scorsese a la hora de planificar secuencias a ritmo de la música contemporánea o del score musical original.

Tres películas:

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“American Beauty (1999)”. Aprovechando un irónico y ácido guión de Alan Ball (2 metros bajo tierra) que iba a ser escrito para crear un obra teatral. Mendes se hace cargo de las labores de la dirección e intenta no cambiar ningún ápice del mismo para intentar adaptar sus dotes de dramaturgo escénico al de director cinematográfico. Principales bazas de la película: Una dirección de actores extraordinaria jugando con la falsedad y la represión de sus personajes y una puesta en escena preciosista e harmoniosa basadas en el score musical de Thomas Newman.

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“Camino a la perdición (2002)”. Adaptación de la novela gráfica de Collins y Rayner por parte de David Self, en la que Mendes aprovecha para realizar un híbrido entre el cine negro de los 40 y 50 y una puesta en escena modernista y estilizada. Juego con sombras, luz artificial y natural; y post-producción digital de fotografía y montaje. Sin dejar de lado los principales ingredientes de una tragedia griega de estas proporciones: Los personajes.

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“Jarhead, el infierno espera (2005)”. Visión de la guerra del Golfo a través de la biografía del recluta Anthony Swofford. Mendes arriesga su reputación a través de un campo que desconoce. Una visión más sobria y una contención de su estilo preciosista a favor de un estilo más realistas con varias secuencias con cámara en mano. Juego con ópticas y con su particular montaje a través de canciones de la época.


nuevacarne

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mensajeMie 14 Mar, 2007 4:25 pm.

Michel Gondry

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Ex alumno de una escuela de arte de París. En dicha escuela conoce a un grupo de pop-rock llamado “Oui Oui” en el que Gondry ejerce las funciones de batería y de director de sus videos musicales. Desde ese momento, y por su constante obsesión desde de la infancia de ser inventor, experimenta con el medio cinematográfico haciendo videos musicales a diferentes bandas del panorama del rock mundial.

Rasgos: Todo tipo de virguerías a través de la técnica del montaje: enlace de secuencias con cortes rápidos y en ocasiones cuadrados para que no se noten los mismos, bucles, marcha atrás, parada de fotogramas, montaje de varias secuencias en una misma secuencia, miniaturas, papiroflexia, cut-out, bullet time, etc ...
Utiliza tanto cámaras digitales como convencionales. Es asiduo en cortes rápidos y frecuentes, y en jugar con el desenfoque. Es un soñador nato y le encanta retratar ese mundo.

Influencia: Cine experimental, cortometraje, animación, la Nouvelle Vague (en cuanto al tratamiento de personajes y puesta en escena), Luís Buñuel y otros surrealistas del medio.

Tres películas:

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“Human nature (2001)”. Comedia que ironiza sobre el género humano, en ocasiones llevada a la exageración, buscando un tipo de comedia “cartoon” al más puro estilo del humor del ex Monty Python, John Cleese (Un pez llamado Wanda, Criaturas feroces). En este film Gondry intenta jugar con la historia desde 3 puntos de vista diferentes, basándose en un guión de su tocayo de rebeldía Charlie Kaufman. Comedia exagerada, pero dentro de toda locura, con más de un toque de lucidez.

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“Olvídate de mí (2004)”. Basándose en una idea en común entre Gondry y Kaufman. Gondry lleva acabo un producto mucho más personal que su anterior Human Nature, con ciertas influencias del Breve encuentro de Lean y la obra literaria de K. Dick. Un producto, que al igual que el anterior, tiene una densa atmósfera de locura, pero esta vez en función de los personajes y arropando el relato con ciertos aspectos de ternura y sentimientos. Una actualización modernizada y conceptual del romance clásico de antaño.

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“La ciencia del sueño (2006)”. Quizás el producto más personal de este autor y director. El producto con más influencia de la “Nouvelle Vague”, donde el director aporta más de un apunte autobiográfico. En este proyecto sigue siendo fiel a su estilo rebelde sin dejar de la lado (como en su anterior Olvídate de mí) lo más importante para el relato: los personajes y la mente artística reprimida de su alter ego, el personajes interpretado por Gael García Bernal.


nuevacarne

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mensajeMie 14 Mar, 2007 4:26 pm.

David Cronenberg

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Graduado en la Universidad de Toronto en el área de literatura. Gracias a su afición literaria, se anima a inventar historias y trasladarlas al pequeño medio del cortometraje (Stereo 1969 y Crimes of the future 1970). Gran aficionado a la ciencia, a partir del estudio de la enfermedad degenerativa de su padre. Una vez asociado con el director Ivan Reitman (Cazafantasmas I y II), y gracias al financiamiento del gobierno canadiense, Cronenberg comienza su andadura en el terreno del largometraje.

Rasgos: Un reflejo bastante visceral y degradante de la psique del ser humano y de su inminente camino a la autodestrucción. Dirección clásica, sobria, fuera de todo tipo de modernismo actual, tremendamente objetiva, narración en primera persona pero cumpliendo las normas de una narración en tercera persona. Planos abiertos y generales, planos fijos, algún que otro travelling de cualquier tipo, y escasos cortes y más bien de transición.

Influencias: Desde el cine de la Hammer, el cine de George A. Romero, el serial televisivo “The Twilight Zone”, Ingmar Bergman, Luís Buñuel, pasando por la obra literaria de William S. Burroughs, Vladimir Nabokov, Franz Kafka, Fiódor Dostoyevski y Philip K. Dick.

Tres películas:

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“Videodrome (1983)”. Crítica de Cronenberg al mundo televisivo y a la sobresaturación de violencia en el mismo medio. Nueva incursión de Cronenberg al género de la nuevacarne, o de la dramatización a través de la autodestrucción de su personaje principal (tanto filosóficamente como literalmente). Psicodélica, enfermiza, surrealista, onírica, etc... y todo ello adornado con unos excelentes trucajes prostéticos de Rick Baker. Posteriormente gente como Clive Barker (Hellraiser, Razas de noche) y David Lynch (Carretera perdida, Mulholland drive, Inland empire) y el novelista William Gibson (Neuromante) continuarían dicha tendencia.

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“El almuerzo al desnudo (1991)”. Adaptación cinematográfica de una de las trilogías literarias preferidas de Cronenberg: Yonqui (1953), El almuerzo al desnudo (1959) y Marica (1985). Es pura paranoia basada en el mundo autobiográfico del escritor y ex yonquie William S. Burroughs.

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“Una historia de violencia (2005)”. Adaptación cinematográfica de la novela de John Wagner y Vince Locke por parte de Josh Olson. Cronenberg realiza un tremendo homenaje al drama visceral americano de Sam Peckinpah, alejándose de su estilo cyberpunk, pero sin dejar de lado su representación artística personal de la violencia en la América profunda.


nuevacarne

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mensajeJue 15 Mar, 2007 3:16 pm.

Paul Verhoeven

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Graduado en la Universidad de Leiden en Matemáticas y Física. Posteriormente se une a la armada neerlandesa donde empieza a hacer sus primeros pasos en el cine en el área del documental. Una vez abandona la armada, se introduce en la televisión donde rodará desde seriales televisivos hasta sus primeros largometrajes.

Rasgos: Provocador, polémico, sexualmente depravado, visceral, muchos movimientos de cámara, montaje agresivo con contundentes cortes y siempre mantiene su corte personal en la versión final.

Influencias: La Biblia, el nuevo testamento, el antiguo testamento, el cine Italiano y el neorrealismo (Antonioni, Fellini, Pasolini, Visconti y De Sica).

Tres películas:

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“Delicias Turcas (1973)”. Película en que Verhoeven muestra un lienzo perfecto entre el cine pornográfico y el drama existencial, en un film totalmente destructurado temporalmente. Dicho film le catapulta al marco de “L’enfant terrible” o al de provocador contemporáneo, como no se había visto desde los tiempos de Pasolini. Curiosamente el año anterior Bertolucci lanzó un film de una estado provocativo parecido. Delicias Turcas esta considerada la mejor película holandesa del siglo por la academia de los Países Bajos.

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“El cuarto hombre (1983)”. El producto más depurado técnicamente de su carrera como director. Utilizando la novela de Gerard Reve, Verhoeven muestras sus dotes surrealistas y oníricos en un relato (no excepto de su estilo provocativo) con entresijos y detalles de puro cine negro.

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“El libro negro (2006)”. Después de su largo letargo en el cine norteamericano, donde prácticamente rodó ciencia-ficción. Verhoeven vuelve a su país para dar continuidad a uno de sus mejores films, “Eric, oficial de la reina (1977)”, desde un marco más intimista; recopilando las buenas lecciones que aprendió en América de cómo llevar un proyecto de gran escala, pero en el marco de autor que aprendió en su país natal.

nuevacarne

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mensajeJue 15 Mar, 2007 10:05 pm.

Chan-wook Park

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Graduado en la universidad de Sogang. Inició su carrera cinematográfica como ayudante de dirección del director Jae-young Gwak. Posteriormente comienza su andadura como director en proyectos de bajo presupuesto de los cuales no obtiene un gran reconocimiento hasta el éxito de taquilla de la película J.S.A.

Rasgos: Es constante en el giro argumental, tendencia a la ironía y al humor negro, visceralmente retorcido, metrajes totalmente apoyado en los personajes y en el devenir de los mismos, planos estáticos, planos secuencias, travellings laterales, juego con la estructura del montaje, utiliza varios idiomas en un mismo film y tiende a utilizar el método del subtítulo.

Influencias: Takeshi Kitano, Quentin Tarantino, Robert Rodríguez, Joel Coen y Ethan Coen.

Tres películas:

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“Joint Security Area (2000)”. Complejo film de intriga basado en el espacio de tiempo en que las dos coreas estaban divididas por el paralelo 38. Park narra con garra tanto el suceso en el que murieron dos soldados del bando norte en el bando sur, como la intervención de la O.N.U. en el caso, y finalmente las relaciones de personajes que se hayan en el film y que son cruciales para el devenir del argumento.

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“Oldboy (2003)”. Un hombre es secuestrado y encerrado en una habitación durante 15 años, hasta que al fin logra escapar, y emprender la búsqueda de su captor. Renovación total del género del thriller y el suspense. Park, a través del cómic del Sr. Minegishi, juega con todo tipo de rarezas, y nos hace recordar el buen hacer del maestro del suspense. Giros argumentales constantes y provocación por igual, al servicio de unos personajes bien construidos. Es la segunda película de la denominada por el director, Trilogía de la venganza. (Symphaty for Mr. Vengeance, Oldboy y Sympathy for Lady Vengeance)

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“I’m a cyborg, but that’s ok (2006)”. El primer film de Park orientado para toda la familia. Una historia de amor con tintes de comedia y fábula (no exenta de las rarezas de su autor) de dos jóvenes en un psiquiátrico. El es un esquizofrénico que cree que ella (que cree ser una cyborg) le ha robado el corazón.


nuevacarne

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mensajeJue 15 Mar, 2007 10:07 pm.

Danny Boyle
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Nacido el 20 de octubre de 1956 en Manchester, hijo de emigrantes irlandeses católicos.
Estudió en el Thornleigh Salesian College y en la Universidad de Gales, Bangor. Boyle empezó a ser conocido en Reino Unido por haber dirigido unas producciones para la televisión británica como “Inspector Morse” y “Mr. Wroe’s Virgins”.

Rasgos: Boyle caracteriza sus películas por la gran repersusión que causan las bandas sonoras de éstas y porque todas se desarrollan en el presente y con un personaje jóvenes e interesante. Además es capaz de explorar cualquier tema, siempre con sus rasgos de amante de mezclar la realidad con pequeños fragmentos de fantasía, sin repertirse ni resultar cargante.

Influencias: Desde los hermanos Cohen en su película "Tumba abierta" y Hitchcock, pasando por Ewan McGregor que le animó para llevar a la gran pantalla una adaptación del libro "La playa" de Alex Garland, hasta "La noche de los muertos vivientes" (1968) de George A. Romero en "28 días después".

Tres películas:

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Trainspotting (1996): película sobre drogas, sexo y alcohol aderezada con ingredientes de humor y surrealismo típico de Boyle. Gran demostración de los efectos producidos por la heroína, tanto físicos como psicológicos.
Esta obra está considerada como una de las cinco mejores películas británicas de todos los tiempos y levantó una gran cantidad de seguidores.

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Una historia diferente (1997): una aventura amorosa que posiblemente no se encuentre entres sus mejores películas, pero sí es un referente para ver los aspectos más propios de Danny. Divertida y original, tiene como personajes al un secuestrador torpe, una niña rica secuestrada y dos ángeles que bajan del cielo.

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Millones (2004): una historia de sobre la vida, la muerte y la generosidad válida tanto para niños como para adultos de mente abierta y con una visión fantástica muy original por parte de su protagonista. Este film nos recuerda al clásico básico "La noche del cazador" (1955).


Chunyta23

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mensajeMar 27 Mar, 2007 11:08 am.

Ethan Coen y Joel Coen

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Los hermanos Coen nacieron en Minneapolis, Minnesota. Pasan por varios institutos hasta que por fin se gradúan (se desconoce bastante este apartado). Son conocidos popularmente como los directores bicéfalos, y normalmente, se acreditan uno de ellos en las labores de guión y el otro en las labores de dirección, pero como ellos reconocen, es solo mera burocracia cinematográfica, ambos realizan ambas labores. Joel Coen está casado con la actriz Frances McDormand, con la que ha colaborado en varias ocasiones.

Rasgos: Se les reconoce por ser de la estirpe de los homenajeadores del medio cinematográfico clásico, al igual que otros directores como: Quentin Tarantino, Takeshi Kitano, Terrence Malick, Yoji Yamada, Rian Johnson, etc...) Son directores perfeccionistas, construyen muy buenos personajes, son fanáticos de la fotografía de Kubrick, y son muy pero que muy irónicos. Les encanta el humor negro.

Influencias: Cine Clásico (sobretodo el film-noir) y la novela negra de Chandler y Hammett.

Tres Películas:

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“Sangre fácil (1983)”. Uno de esos debuts que marca escuela. El primer homenaje de los Coen al cine negro y al psicokiller modernista, mediante esta historia de infidelidades. Un híbrido bastante especial, en el que tanto la historia, como los histerismos visuales de estos directores llegan a buen puerto.

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“Barton Fink (1991)”. El film más interiorista, más extraño, más original y más autobiográfico de los Coen. Donde Turturro hace de los Coen, en un descenso hasta los mismísimos infiernos de la meca del cine. Todo filmado elegantemente en un sitio tan elegante como el Hotel Ambassador de Los Angeles.

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“El hombre que nunca estuvo allí (2001)”. Otro excepcional homenaje el cine de antaño. Film-noir contemporáneo por fuera, drama existencial moderno por dentro. Un film que sorprendió por ser un homenaje maduro en su propuesta, y no una mera razón de llamar la atención.


nuevacarne

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mensajeMar 27 Mar, 2007 11:09 am.

Tim Burton

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Timothy William Burton nació el 25 de agosto de 1958 en Burbank (California) Tim Burton es uno de los cineastas más célebres del ultimo tiempo. Sus cintas, son de una delirante fantasía oscura y extraños personajes, lo han convertido en un director de culto. (sobre todo entre la juventud oscura y demás tribus urbanas)

Rasgos: Fijación por los personajes inadaptados, marginados e incomprendidos; gusto por el ambiente gótico y los cuentos infantiles; toques de humor negro. Generalmente, en sus peliculas predominan los finales felices.

Influencias: Las películas viejas de terror y ciencia ficción, principalmente de la productora Hammer, el stop-motion, la serie B, los cuentos para niños, Vincent Price, uno de sus mayores ídolos.

Tres películas:

Eduardo Manostijeras (1990)

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Una pelicula bella y fantástica, llena de imaginación, mezcla de estética gótica, Frankenstein de Mary Shellie, los cuentos de hadas y las historias de patitos feos con aparición estelar del mítico Vincent Price en su ultima interpretación antes de morir. La primera colaboración de Burton con Johnny Deep, su actor fetiche.

Pesadilla antes de Navidad (1993)

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Producida y basada en los personajes creados por Burton, una declaración de amor a la stop-motion. Una pelicula llena de humor extravagante, con un diseño espectacular e imaginativo de todos los personajes y unos cuidados efectos especiales, amén de una fantástica banda sonora compuesta por el habitual de Burton, Danny Elfman, y unos números musicales antológicos.

Ed Wood (1994)

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Biopic de Edward D. Wood Jr., "El peor director de todos los tiempos", una obra rodada en un magnífico blanco y negro, en la que se muestra en todo momento un gran cariño hacia el personaje de Wood, un hombre que hizo el cine que quiso sin perder la esperanza a pesar de todos los imperimentos que tuvo (¿un reflejo del propio Burton?)
La pelicula fue galardonada con los oscars correspondientes al mejor maquillaje y el mejor actor secundario para Martin Landau, el cual encarnaba al mitico Bela Lugosi


Vikingo

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(Torrente)

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